L’exposition « The Goutte d’Or ! – L’Institut des Cultures d’Islam invite Martin Parr » est une immersion photographique dans un quartier assez méconnu et stigmatisé : le quartier de la goutte d’or. Dans un contexte difficile, miné par le débat sur la laïcité et l’islam le pari paraissait risqué. Il fallait à Véronique Rieffel (directrice de l’Institut des Cultures d’Islam) beaucoup d’audace pour ne pas craindre l’œil parfois sans concession du photographe Martin Parr.

Pendant 4 journées, en janvier, Martin Parr a fait sien le quartier. Il saisit avec humour et décalage des images qui contrastent avec les clichés habituels ; le visage de la majorité silencieuse que l’on montre rarement dans les médias. Il offre un regard spontané, osé, intelligent, et pourtant si simple dans un contexte tendu ou parler d’islam est complexe. Un souffle d’air frais dans un débat souvent rendu étouffant par la politique.

© Photos : Martin Parr – « Eric, charcutier au « Cochon d’Or », depuis 17 ans »

« Je voulais sortir de la crispation actuelle, avec un projet artistique qui ait du sens. Faire photographier la Goutte-d’Or par Martin Parr, c’est aussi montrer qu’il n’y a pas de sujet tabou. On peut avoir un point de vue décomplexé sur le sujet. » Véronique Rieffel, directrice de l’Institut des Cultures d’Islam

Château Rouge, le marché Dejean, le café « Mon village », la mosquée Khalid Ibn Walid, l’association « Accueil Laghouat », la charcuterie « au cochon d’or »… Les 35 photos de l’exposition dévoilent un multiculturalisme qui fait toute la richesse de la goutte d’or à contre-courant de toutes les peurs ambiantes. Une exposition toute en simplicité, conviviale, ouverte au partage et à la rencontre,  à l’image de son lieu et du titre d’une série de photographie : La I-cité.

© Photos : Sonia pour xulux : L’Institut des Cultures d’Islam – Cliquez sur l’image pour voir la galerie

Altérité, humanité, solidarité dans un quartier typique, unique et attachant en font une exposition à visiter absolument.

« La photographie n’est jamais le réel mais un point de vue, un regard sur ce qui est là. Tout est dans cet interstice, sinon, tout le monde prendrait les mêmes clichés. » Martin Parr

Informations pratiques :
Exposition photographique du 6 avril au 2 juillet 2011 à L’Institut des Cultures d’Islam 19-23 rue Léon, 75018 Paris. Entrée gratuite

L‘invasion et l’étouffement provoqué par la répétition d’éléments, une systématisation presque, interrogent en premier lieu la notion d’espace. L’espace de l’œuvre, la notion de limite du format bien sûr, mais aussi celle réservée à l’Homme. On peut y voir un lien avec « les oiseaux« , d’Hitchcock, qui, lui aussi, joue sur le sentiment d’étouffement et de menace provoqué par la multiplication voire l’omniprésence d’un élément. On ne peut poser son regard nul part où il n’y a pas un oiseaux, on s’attend presque à en trouver un dans sa chaussure ou sortant sa tête de la manche de notre pull.

L’espace est réinterrogé et la place de choix réservée habituellement à l’humain est contestée, voire envahie. Un lien avec le travail des surréalistes que sont Magritte et Dali s’impose. Un tableau du premier qui joue sur la multiplication n’est d’ailleurs pas sans rappeler le travail de la photographe : « Pluie d’hommes qui s’abat sur la ville« .

Pour les cinéphile, une scène culte du film « le cercle rouge » de Jean-Pierre Melville avec Yves Montand pendant laquelle des animaux sortent d’un placard et envahissent la chambre où se trouve Yves Montand.

En second lieu, l’œuvre de Sandy Skoglund ne manque pas d’interroger le temps. La multiplication des poses et attitudes des animaux n’est pas sans rappeler le travail de Peter Jansen : human motions que nous avons décrypté sur xulux. La chronophotographie d’Étienne-Jules Marey et d’Eadweard Muybridge (entre autre) réinterprétée en sculpture ? Pourquoi pas, mais il faut distinguer le découpage continu de Peter Jansen qui cristallise un mouvement en poses séparées par des séquences de temps égales et celui de Sandy Skoglund dont les poses n’ont pas de continuité temporelle égale. Deux façons de représenter la relation entre espace et temps. Michel Gondry illustre d’ailleurs magistralement cette explication dans le clip « Come into my world » réalisé en 2002 pour Kylie Minogue.

Dans un troisième temps, ce qui est a noter est un mélange des genres : sculpture, maquette, peinture, couture, modèles… le tout figé en une photographies au point de vu unique qui restera comme la trace d’une œuvre plastique que l’on pourrait qualifier d’installation. Les critiques photographiques utilisent d’ailleurs souvent l’expression « tableaux photographiques » pour qualifier ses photos. On pense dès lors à Georges Rousse ou au Land art de Chrysto (par exemple), dont la photographie n’est que la mémoire d’une installation et d’une mise en scène dont la réalisation se fait dans l’espace et la conception dans le plan. Pour Georges Rousse et Sandy Skoglund, cela est tellement vrai qu’il y a un point de vue unique pour l’œuvre, non seulement pensé et choisi en amont, mais aussi et surtout inéchangeable. Sandy Skoglund réalise elle même tous les éléments de sa photographie dans son studio de 150m² : objets, animaux, vêtements… tout est confectionné à la main par ses soins, on imagine dès lors l’ampleur du travail, mais aussi le degré de préparation et de réflexion en amont, nécessaire à la réalisation de l’image finale.

Les thématiques abordées sont variées : la guerre, le lien entre humain & nature, la société de consommation, le clonage, l’artificiel...
Un univers loufoque et coloré, parfois dérangeant, qui ne cesse de questionner la place de l’Homme (occidental) dans le monde, ses relations avec les co-habitants de la planète, ses habitudes et attitudes quotidiennes mais se lance également dans l’exploration de son intériorité : inconscient, rêves et paradoxes cher aux surréalistes ou au psych/iatre/ologue/analyste, c’est aussi un monde intérieur qui est dépeint. « Psychologie de l’inconscient » de Carl Gustav Jung pourra, à cet égard, donner des clés de compréhension.

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L‘un des grands noms de la photographie humaniste, Willy Ronis, décédée l’année dernière à l’âge de 99 ans – le 11 septembre 2009 – nous a laissé une ultime vibration artistique avant de faire le grand voyage. Pour fêter son centenaire, Willy Ronis avait pensé une exposition, un parcours, mis en scène à partir d’une sélection qu’il avait lui-même opéré. Malheureusement, ce grand photographe français nous a quitté juste un peu trop tôt et n’a pas pu être parmi nous pour l’occasion. Néanmoins, je tenais à partager ici et avec vous quelques impressions et ressentis sur son œuvre, ainsi que quelques dates clés et quelques mots nés de la plume de l’auteur. Je lui cède d’ailleurs sans plus attendre la parole :

“ Transformer le désordre en harmonie, c’est la quête constante du chasseur d’images. Cela conduit-il tout droit au maniérisme froid ? N’en croyez rien. Une photo signifiante, c’est une photo fonctionnelle, dans le plus beau sens du terme, et l’on sait depuis longtemps, par l’étude morphologique des oiseaux ou des poissons, par les travaux des stylistes sur les objets usuels, que la pureté des formes est le résultat d’une adéquation aboutie à leurs fonctions. Et la fonction d’une photo, c’est sa capacité immédiate à synthétiser son propos. Le photographe ne se promène pas, bien sûr, avec la grille du nombre d’or dans le viseur, mais il l’applique généralement par intuition, avec l’inévitable et heureux infléchissement de sa sensibilité. La belle image, c’est une géométrie modulée par le cœur. ”

Extrait de « Sur le fil du hasard », Willy Ronis, L’Isle-sur-la-Sorgue, 1979

C’est l’association du jeu de paume et de la Monnaie de Paris qui a permis de concrétiser à titre posthume cette ultime création du photographe. Une sélection très précise et rigoureuse (opérée par Ronis lui-même) parmi les œuvres dont il avait fait le don à l’état français en 1983 articule l’exposition autours de cinq axes : la rue, le travail, les voyages, le corps et sa propre biographie. J’insiste particulièrement sur l’importance d’avoir sous les yeux des images capturées par le photographe dont la résonance et l’enchainement au sein d’une série a été pensé et structuré par l’auteur lui-même. Il est, hélas, trop peu courant que des artistes de cette envergure scénarisent et écrivent eux-même l’histoire du voyage dans les profondeurs de leur œuvre. Trop peu courant en effet, parce que souvent disparu trop tôt.

La sélection de ce grand monsieur est, dès lors, profondément touchante. Non pas qu’elle ne l’eut été si un scénographe avait pensé l’exposition à sa place, mais elle ajoute indéniablement authenticité, intégrité, profondeur et supplément affectif à l’ensemble. Il est primordial de penser chaque image au sein d’une œuvre, en photographie certainement encore plus que dans n’importe quel art. La résonance de celle qui précède sur celle qui suit, la cohérence d’un ensemble de quelques unes, la trame narrative qu’elles dessinent, les dialogues intérieurs qu’elles installent. Bien sûr, l’image en soi raconte une histoire, nous évoque des souvenirs, nous projette dans l’avenir, nous questionne, nous affecte. Mais lorsqu’elle participe de l’élaboration d’un propos englobant (construit selon différents critères : une thématique, une ambiance, un cadrage, un élément graphique etc…) elle est comme transcendé. Ce n’est plus une photo, une simple image avec ses signifiés, ses signifiants – pour reprendre la pensé linguistique de Ferdinand de Saussure – qu’il s’agit d’exposer, mais un ensemble de liens au sein d’une structure. Il convient dès lors d’expliquer quelques bribes de la pensée structuraliste dont certains auteurs comme l’immense Roland Barthes ont beaucoup écrit sur la photographie.

A la base, le structuralisme est une approche linguistique, imaginé d’abord par Ferdinand de Saussure dans son cours de linguistique générale en 1916, puis reprise et développée par la suite dans différents domaines (Claude Lévi-Strauss en anthropologie, Roland Barthes en sémiologie – analyse des signes -, Jacques Lacan en psychanalyse pour n’en citer que quelques uns…). Dans les années 60, le courant sera remis en question et prolongé notamment par Jacques Derrida, Michel Foucault et Pierre Bourdieu dans ce qui se nomme la pensée post-structuraliste. Mais de quoi s’agit-il ? Il convient d’abord d’expliquer la base du concept de signe linguistique développé par Ferdinand de Saussure. Pour le linguiste, les deux faces complémentaires du concept sont le signifié et le signifiant :

• Le signifiant, c’est la représentation mentale du concept associé à un signe. Par exemple, lorsque je lis « voiture », l’image acoustique du mot se distingue de celle d’un autre, par exemple « voilure ». Ainsi, au delà de l’image, c’est bien l‘image acoustique qu’il convient d’appréhender, c’est à dire celle qui se construit sur les phonèmes (dont découle d’ailleurs la phonétique, l’écriture des mots selon leur prononciation) ou différents sons d’une langue. Chaque langue dispose d’un nombre limité de phonèmes, caractérisés non par leur valeur propre mais précisément par ce qui les oppose.

• Le signifié quant à lui désigne la représentation mentale du signifiant, le ou les concepts auxquels il est rattaché. Lorsque je lis « voiture », je m’en fais une représentation mentale, celle de la voiture « type » que je connais : 4 roues, un volant, une carrosserie etc… C’est là que réside tout l’intérêt de la notion, le signifié est propre à chaque personne. Il existe donc une infinité de signifiés potentiels, variant d’une personne à l’autre. C’est pour cela que lorsque je parle de voiture avec un autre, il n’y lie jamais exactement le même signifié que moi. D’où également l’un des leitmotiv’ de xulux : il existe une infinité d’interprétations possibles d’une œuvre, d’un comportement, d’une phrase, puisque signifiants et signifiés se donnent l’accolade dans la singulière unicité de la personne.

Le structuralisme, découle de cette conception et propose d’appréhender toute langue comme un système au sein duquel les éléments se définissent par des relations d’équivalence ou d’opposé qu’ils entretiennent entre eux. Ainsi, les relations au sein du système permettent seules de définir chacun des éléments. L’ensemble de relations est appelé la structure. Extrapolons à d’autres domaines que celui de la langue ! On peut dire que le structuralisme cherche l’explication de phénomènes à partir de la place qu’ils occupent dans un système, et partant, des relations qu’ils tissent les uns avec les autres. Ces relations ne sont évidemment pas figées, statiques, et posées là devant nous mais en constante évolution, renouvellement, réinvention. Associations et dissociations sont ainsi la clé d’une conception structurelle.

Faisons immédiatement maintenant le lien avec la conception d’une exposition. Qu’elle soit photographique ou autre, cette dernière est pensée comme un ensemble, une structure, au sein de laquelle les relations qu’entretiennent chacune des œuvres avec les autres sont essentielles. Mais de cette conception, on peut également ajouter qu’au delà de l’unicité de chaque œuvre, d’autres éléments tels que la lumière, l’ambiance, la signalétique etc… complexifient la structure et viennent l’enrichir.

Je cède une nouvelle fois la parole à Willy Ronis avant de conclure, sur une approche plus personnelle et le ressenti de cette belle exposition :

“ L’aventure ne se mesure pas au nombre de kilomètres. Les grandes émotions ne naissent pas seulement devant le Parthénon, la baie de Rio ou les chutes du Zambèze. L’émotion, si vous en êtes digne, vous l’éprouverez devant le sourire d’un enfant qui rentre avec son cartable, une tulipe dans un vase sur lequel se pose un rayon de soleil, le visage de la femme aimée, un nuage au-dessus de la maison. ”

Extrait de « Sur le fil du hasard », Willy Ronis, L’Isle-sur-la-Sorgue, 1979

Alors ? Que ressort-il de cette exposition ? Après avoir présenté succinctement une vision structuraliste qui mérite d’être approfondie, je crois que ce qui m’a particulièrement touché pendant ce parcours est justement cette « structure ». Cette exposition pensée comme un tout par l’auteur lui-même, le sens, les liens affectifs, qui se tissent entre chaque partie de l’œuvre et construisent un tout cohérent. Un engagement total du photographe qui bouscule et interroge. Bien sûr ce courant photographique humaniste qui se dessine avec Doisneau, Cartier-Bresson, Brassaï, Izis (dont une autre belle exposition est en ce moment même à la mairie de Paris) ou encore Boubat recèle des thématiques chères à xulux. L’humanisme qui s’efforce de rétablir la confiance en la beauté intrinsèque de l’humain, celui qui propose d’en faire le centre et la mesure de toute chose. Celui qui arpente les rues du monde et ne peut apparaitre que là où se trouve l’humain. Celui qui surgit là où on l’attend parfois le moins comme dans la mouvance hip-hop, celui qui conjugue poésie, bienveillance et volonté sincère de changer le monde. Bien sûr chaque œuvre présente à l’exposition vit seule, prend et continuera à prendre son indépendance par rapport à l’auteur et ses intentions initiales. Il y a long à dire sur beaucoup d’entre elles, qui sont bien souvent de véritables cadeaux de l’artiste à ceux qui auront la chance de les voir. Je vous laisse prendre la mesure de cette intensité offerte par Ronis avant de s’éteindre et vous laisse avec ce dialogue posthume entre Cartier-Bresson, Ronis, Doisneau, Brassaï, Izis et Boubat :

“ Le Temps court et s’écoule et notre mort seule arrive à le rattraper. La Photographie est un couperet qui dans l’éternité saisit l’instant qui l’a éblouie. ”

Henri Cartier-Bresson | 1908 – 2004

“ Suggérer, c’est créer. Décrire, c’est détruire. ”

Robert Doisneau | 1912 – 1994

“ Mes photos ne sont pas des revanches contre la mort et je ne me connais pas d’angoisse existentielle. Je ne sais même pas où je vais, sauf au-devant – plus ou moins fortuitement – de choses ou de gens que j’aime, qui m’intéressent ou me dérangent. ”

Willy Ronis | 1910- 2009

“ Si l’on devait vivre éternellement, tout deviendrait monotone. C’est l’idée de la mort qui nous talonne. C’est la hantise et le désir de l’homme de laisser une trace indélébile de son éphémère passage sur cette terre qui donnent naissance à l’art. ”

Brassaï | 1899- 1984

“ Je pense que les photographies que nous aimons ont été faites quand le photographe a su s’effacer. S’il y avait un mode d’emploi, ce serait certainement celui-là. ”

Édouard Boubat | 1923- 1999

“ Les meilleures photos n’ont pas été faites. Il reste comme un regret dans mes souvenirs. ”

Izis | 1911- 1980

Pour plus de renseignements consultez la page agenda

Un bien bel endroit que la BNF qui accueille l’exposition de Michael Kenna. Cette dernière présente une rétrospective du photographe, servie par une scénographie très minimaliste et reposante, qui invite à la contemplation. Des parties thématiques fragmentent le cheminement, présentées par des textes dont la poétique sert avec beaucoup d’élégance et de profondeur le propos du photographe. A l’image des photographies exposées, le parcours proposé invite a prendre le temps. Prendre le temps de contempler, de s’émerveiller, de se questionner. Prendre le temps d’un certain apaisement, d’une certaine méditation esthétique et existentielle, dans ce monde ou l’effervescence urbaine continuelle nous étouffe un peu plus chaque jour et raréfie les instants de sérénité et de répit si précieux au cours d’une vie.

Avant de vous faire partager quelques photographies qui m’ont particulièrement touché dans l’œuvre de Michael Kenna, je vous invite à lire l’article de Sonia qui présente de manière plus détaillé cet artiste anglais qui ne travail qu’en noir et blanc.

Michael Kenna, New York, 2006

Dans le cadre de Paris photo et Photoquai, avec 210 photographies exposées à la BNF, Michael Kenna nous fait voyager à travers des pays et des sites qu’il immortalise depuis plus de trente ans, le Brésil, le Japon, l’Ile de Pâques, le mont Saint Michel, New York, la Corée…

Multipliant dans ses photographies en  noir et blanc, les contrastes très tranchés, les clairs-obscurs, les effets de matières, les jeux de lignes structurants et géométriques, il nous emmène dans ses visions du monde ou l’homme est toujours absent mais ses traces perceptibles. Tantôt il nous montre des sites préservés, où la nature et les éléments triomphent, tantôt des grandes mégapoles ou des sites industriels, vestiges de l’Angleterre du XIXe siècle.

Mystérieux et poétique, ce voyageur nous fait découvrir un autre monde enfermé dans un format miniature, loin de la couleur saturée et des grands formats, proposés actuellement en masse.

Torii gate, Shosanbetsu, Hokkaido, Japan 2004

Chrysler building, study 3, New York, 2006

Manhattan skyline, study 1, New York

Concentration Camps-SS Guard House, (Death Gate), Birkenau, Poland, 1992

- Jusqu’au 24 janvier 2010 à la BNF : retrouvez sur le site une présentation vidéo avec Michael Kenna commentant certaines de ses photographies.

- à voir aussi : jusqu’au 28 novembre 2009, « New York + New Works » les photos de New York de Michael Kenna à la galerie Camera Obscura

- Michael Kenna portfolio

Cette nouvelle série s’intitule « hope and fear » et est présentée comme « la manifestation extérieure des désirs intérieurs et de la paranoïa lancinante des états-unis« . Entre volonté d’avoir un corps qui se ferait écho des cannons actuels, ou bien déformation du voile intégrale, cette série est bien engagée et ô combien agréablement réalisée.
On voit des personnes qui sont en plein délire sécuritaire, des jeunes filles obsédées par leurs seins, ou bien d’autres rappelant les poupées qu’elles coiffaient dans leur enfance. Véritables travers qui sont trop présents dans nos sociétés (occidentales ?) cette série reflète avec une froideur et une stupeur deux choses que je trouve flagrantes : la volonté de plaire et la peur de l’autre. Deux thèmes qui sont, eux aussi, trop bien représentés dans le monde entier. À quand des informations sur des joies, des témoignages de fraternités et d’humanisme au lieu des traditionnels carnages, embellissements, régressions (encore ici) ?

Jeune photographe argentine autodidacte découverte grâce à fubiz, Antonnella Arismendi a démarré une activité de photographe professionnelle depuis seulement 2 ans. Son travail a attiré l’oeil xuluxien pour plusieurs raisons, mais principalement parce qu’il s’enracine dans un ressenti et sensibilité assez tranchés. Spiritualité, mysticisme voire occultisme sont au rendez-vous à travers sorcières, pentagrammes, tête de mort et autres réjouissances. Antonnella ne manque pas d’aborder des sujets sensibles, voire dérangeants comme la grippe A dans sa série nommée très ironiquement « porcina », dans laquelle un masque porté par une jeune femme nous rappelle étrangement un certain sujet brulant de l’actualité… On reconnaîtra aussi des thèmes rencontrés dans le conte, comme la princesse dans sa tour d’ivoire qui laisse tomber ses cheveux pour être sauvé ou la disproportion de taille entre une personne et son environnement. Alice au pays des merveilles, Micromégas, ou Raiponce, la princesse aux longs cheveux des contes de Grimm. L’imaginaire des contes et autres légendes semble être une grande source d’inspiration pour Antonella.

Il est quand même a noter que les mises en situation sont toujours extrêmement soignées tant en terme de maquillage que de coiffures, d’accessoires ou de vêtements.
On retrouve une conception de l’esthétique très mode, très pub, et cela ne vous surprendra pas d’apprendre qu’Antonnella travaille notamment pour Rolling Stone, magazine Americain de pop-culture et dont l’un des cousins français est chronic’art. Un côté assez branchouille, assez lissé pour taper dans l’oeil « publicisé » du lecteur. Cependant, il n’empêche que certains thèmes abordés remettent le spirituel, les mythes et autres concepts échappant à la volonté maladive de contrôle total de l’Homme sur le tapis. Le piédestal sur lequel trône la raison froide depuis trop longtemps va-t-il enfin tomber ?