Depuis son apparition, le vampire sert régulièrement de métaphore sociale. Souvent réduit à tort, à un simple personnage effrayant pour adolescent à la recherche de sensations fortes ; il peut être, un indicateur sociologique et un incroyable témoin de l’évolution de notre société.

« On sait où nous en sommes en politique. En poésie, nous en sommes aux cauchemars et aux vampires. Si la littérature est toujours l’expression du siècle, il est évident que la littérature de ce siècle-ci ne peut nous conduire qu’à des tombeaux ». Charles Nodier, Revue de Paris de juin 1830

Moyen d’expression artistique (littéraire, cinématographique, graphique…) et du peuple (mythe, légende…) le vampire est profondément enfoui dans la culture humaine. Il s’adapte à l’évolution des mœurs et transcende les modes à travers les siècles, de manière à toujours être représentatif de la société dans laquelle il vit. À chaque époque, il prend un visage différent. Les artistes traduisent dans leurs œuvres, l’environnement dans lequel ils vivent et évoluent. Alors, naturellement, quelle que soit l’époque et quel que soit l’état des mentalités, le vampire ne peut que suivre cette évolution. Figure universelle, on trouve trace de récits le concernant sur les cinq continents.

Le terme vampire n’a aujourd’hui, qu’un peu plus de deux cent cinquante ans, mais la notion de vampirisme vient du fond des âges. C’est en 1725, dans un rapport judiciaire rédigé à Belgrade concernant un paysan Serbe accusé de vampirisme (Peter PLOGOJOWITZ), que le mot allemand « upier » se vulgarise. En 1732, il prend la forme « vampir » par emprunt au serbo-croate. Il rejoint la langue française, « oupire« , issu du tchèque « upir », pour arriver à sa forme « vampire«  dans les écrits de Dom Calmet, Traité sur les apparitions des esprits et sur les vampires ou les revenants de Hongrie, de Moravie, etc.. , publié en 1751. (Livre sur gallica exemple page 6)

On peut nommer « vampire » les créatures démoniaques qui peuplent l’imaginaire avant le XIIIe siècle, que ce soit par leurs activités nocturnes, leur rapport au sang ou leur nature de mort-vivant. L’une des plus anciennes créatures, Lilitû (également appelée Lilith), démon femelle de la mythologie sumérienne (civilisation de la Mésopotamie (4 000 av. J.-C.), est également évoquée dans la Bible par le prophète Isaïe (deuxième moitié du VIIIe siècle av. J.-C.). Voir l’article très intéressant sur l’histoire de la Lilith. http://fr.academic.ru/dic.nsf/frwiki/1028266

On retrouvera par la suite, les lamies, les empuses (Grecques), les striges (romaines),les harpies (Grecques et romaines) et autres goules (orientales).

The Wood of the Self-Murderers The Harpies and the Suicides, William Blake 1824–27. Cliquer sur l’image pour voir la galerie

La symbolique du vampire prend ses origines dans le besoin qu’a l’Homme de projeter ses pulsions, et interrogations. Le vampire se nourrit des angoisses pour incarner les problèmes existentiels, les bouleversements sociaux, économiques et culturels et projeter certaines valeurs idéologiques. Il pose une nouvelle forme de droit à la vie (immortalité) et exauce des désirs interdits à la condition humaine (sexualité, pouvoirs surnaturels…). Une dualité intéressante entre ce que nous redoutons le plus et ce à quoi nous aspirons le plus. La thématique du sang est omniprésente, car elle représente la marque de la damnation, la frontière entre malédiction et miracle de la résurrection.

« Pour l’homme moderne, les vampires ne sont pas effrayants parce qu’ils existent, mais parce qu’ils concrétisent ses craintes et ses désirs les plus secret » Jean Marigny, sang pour sang, le réveil des vampires. Découvertes Gallimard, 1993

La littérature victorienne (XIXe siècle en Grande Bretagne) a connu, un enthousiasme sans précédent, pour le mythe du vampire ; avec des auteurs comme Polidori (The Vampyre, 1819), Le Fanu (Carmilla, 1872) ou Stoker (Dracula, 1897). Ces auteurs vont suivre la voie empruntée au siècle antérieur par les romantiques allemands. Dans l’esprit des auteurs romantiques, la littérature devait prendre pour sujet la nature humaine dans toute sa complexité, sans exclure ses aspects les plus sombres. Dans cette ambivalence de l’être humain, le vampire est un personnage de choix.

Les vers de Goethe (la fiancée de Corinthe, 1797) restent parmi les plus célèbres. Il serait un des déclencheurs, de la littérature vampirique qui va suivre.

[…] « Une force me chasse hors du tombeau
Pour chercher encore les biens dont je suis sevrée,
pour aimer encore l’époux déjà perdu,
et pour aspirer le sang de son cœur.
Et quand celui-ci sera mort,
je devrai me mettre à la recherche d’autres,
et mes jeunes amants seront victimes de mon désir furieux. » […]
La fiancée de Corinthe, Goethe, 1797

Le XIXe siècle

La morte amoureuse de Théophile Gautier – Lithographie de Laurens 1904

Pour la France, Théophile Gautier ne sera pas en reste. Il écrira en 1836, une magnifique nouvelle intitulée, la morte amoureuse. Dans ce récit à la première personne, Romuald n’a toujours rêvé que d’une seule chose, devenir prêtre. Au moment d’être ordonné, son regard est porté sur Clarimonde. Il accomplit néanmoins son ordination. Commence alors pour lui une terrible descente aux enfers et son esprit ne cessera d’être torturé par cette femme. Cette mystérieuse Clarimonde est une vampire revenue d’entre les morts.
Cet amour va aussi la pousser dans un curieux dilemme, buveuse de sang, si elle se sert aux veines de Romuald, elle le condamne à une mort certaine, mais si elle se nourrit à celles d’un autre, elle commet une infidélité.

Le vampire connaît sa première grande occurrence dans la littérature anglaise grâce à l’œuvre de John William Polidori. Le Vampire, paru en 1819. Lord Byron, les époux Shelley et le docteur Polidori eurent l’idée, un soir d’orage dans l’été 1816, d’un concours de contes d’horreur. Mary Shelley imagina son Frankenstein et Polidori avec l’aide de Byron son Vampire. Un certain Lord Ruthven, aristocrate anglais en vacance en Grèce avec son ami Aubrey, qui un jour blessé à mort, devient vampire. Imité par Charles Nodier un an après, dans une pièce du même nom, le vampire pour la première fois prend les traits d’un gentilhomme s’éloignant de l’archétype proposé par les légendes populaires. L’ambiance repose sur des non-dits, ce n’est qu’à la fin du récit et de la bouche d’une victime que l’on apprend avec certitude la nature vampirique du personnage. Cas rare dans le roman de vampire, le mal triomphe du bien, symbolisé par les hommes qui n’ont pu le conduire jusqu’au repos éternel.

Dracula de Bram Stoker

Publié en 1897, Dracula de Bram Stoker est le premier roman à apporter suffisamment de renouveau, de détails précis sur le vampire. Il introduira plusieurs caractéristiques qui étaient, jusque-là, absentes de la mythologie vampirique ou des précédents ouvrages littéraires. Il permet de créer une identité propre, en créant le vampire originel. Le premier vampire créateur de tous les vampires : le comte Dracula. Se fondant sur des récits mythologiques et d’inspirations historiques pour son personnage (voir le voïvode Vlad III Basarab), Dracula est à l’origine d’un engouement qui marquera une étape cruciale dans la littérature fantastique et en particulier celle abordant le thème des vampires. Il deviendra le vampire de référence pour les générations suivantes.

Écrit dans un style épistolaire, sous forme de dossier et de lettres intimes, Dracula relate les aventures de Jonathan Harker, jeune clerc de notaire fiancé à Wilhelmina « Mina Murray ». Jonathan va aller à la rencontre d’un client étranger, le comte Dracula, dans un château des Carpates, afin de régler l’acquisition de propriétés dans la ville de Londres. Arrivé au château, il se rend compte petit à petit que le comte n’est pas humain et qu’il est en réalité retenu prisonnier. Le comte Dracula va s’installer à Londres où il commence à resserrer son emprise sur les autres personnages du roman.

Pendant ce temps, à Londres, Mina Murray s’inquiète pour son amie Lucy Westenra qui a de fréquentes crises de somnambulisme et qui tombe soudainement malade. Appelé en renfort par le Docteur Seward qui n’arrive pas à s’expliquer les raisons de la maladie de Lucy, le professeur Van Helsing va essayer de la soigner. Le cas de Lucy empire, et pour compenser à de grandes pertes de sang, le professeur va pratiquer des transfusions sanguines. Lucy meurt, et Van Helsing va affirmer qu’elle a été victime d’un vampire. Le fiancé de Lucy, Arthur Holmwood et ses deux autres prétendants (Quincy P. Morris, le Dr John Seward) vont décider de joindre leurs forces à Van Helsing pour apporter le repos éternel à Lucy, transformé en vampire. Jonathan va s’échapper du château et rentrer à Londres pour rejoindre ses compagnons et épouser sa fiancée, Mina. Pendant que les hommes s’associent dans une lutte contre le mal, Dracula fait sienne Mina et lui fait boire son sang. Menacé et poursuivi par le groupe d’hommes, Dracula reprend la mer en direction de sa terre d’origine. Le lien unissant Mina et Dracula permet à Van Helsing de suivre le déplacement du comte. Sur le point d’arriver au château des Carpates pour se ressourcer sur sa terre natale, Dracula est tué par le couteau de Jonathan sauvant par la Mina, libérée de toute influence vampirique.

Le vampire, reflet d’une société blasée

Sur fond de crise, de révolution industrielle, d’individualisation et de fortes inégalités sociales, à grands coups de crocs le vampire va symboliser les peurs sociales et servir d’antidote aux pulsions refoulées. Dans une société de remise en cause et en pleine mutation, Bram Stoker va rendre compte de ces frustrations, en créant son personnage et nous donner libre cours à diverses interprétations et hypothèses.

Traditionalisme et modernisme, religion et science sont des thèmes largement repris dans l’œuvre de Stoker.

« J’étais là, consignant dans mon journal, en caractères sténographiques, tout ce qui m’était arrivé depuis que je l’avais fermé la dernière fois. C’est bien là le progrès du XIX^e siècle ! Et pourtant, à moins que je ne m’abuse, les siècles passés avaient, et ont encore, des pouvoirs qui leur étaient propres et que le “modernisme” ne peut pas tuer » Dracula de Bram Stoker, journal de Jonathan Harker, 1897

Le combat entre Dracula et les autres personnages symbolise la confrontation, l’un tourné vers l’avenir et l’autre écrasé sous le poids du passé. Les personnages font largement usage des inventions récentes (phonographe, télégraphe…) en opposition au comte et à la Transylvanie du XIXe siècle où règnent le passé, les anciennes coutumes, les superstitions… La science, quant à elle, sera en parti inefficace et pour combattre le comte, les personnages se tourneront vers la religion.

Le monstre redouté : le vampire figure de l’altérité

Dracula de Francis Ford Coppola (1993)

« pour peu que l’époque soit troublée par une guerre », « une épidémie, une crise économique, et que la peur s’associe à la misère ou à l’insécurité, voici que surgissent de toutes parts les monstres redoutés » Pierre Mannoni, La peur, que sais-je ? 1982

Les montres redoutés les vampires ou les étrangers ? Le comte Dracula, Aristocrate venant de l’est, symbolise l’étranger venu asservir et corrompre la bonne société victorienne. Il va être à l’origine du mal qui va souiller, vicier la société. Encore une fois, on va retrouver le thème de l’ambivalence de l’être humain, une forme de dualité entre le bien et le mal. Le vampire peut à la fois être corrupteur et être persécuté.

Dans le roman de Bram Stoker, Dracula est peu désigné par son nom, on le nomme « Maître », « le comte », « lui ». Il représente le « Il », l’autre. On refuse au vampire l’accès à une personnalité, et surtout à une humanité. Il sera persécuté, poursuivi, traqué comme le furent les sorcières, les lépreux où les juifs. Il incarne la communauté redoutée, la communauté repoussée. La symbolique de tous les êtres humains considérés comme « différents » (étranger, hérétiques, malades contagieux, femme, homosexuel…). Toutes les personnes désireuses de ne plus vivre cachées, mais souhaitant vivre au grand jour. Une communauté qui aspire dans la difficulté, à l’égalité.

Le vampire a aussi quelque chose de l’anarchie, en opposition au conservatisme et à ladite droiture. Par exemple, le terme vampire sera également utilisé par Victor Hugo dans les châtiments pour désigner l’oppression.

[…] « Russie et Sibérie, ô czar ! tyran ! vampire !
Ce sont les deux moitiés de ton funèbre empire ;
L’une est l’oppression, l’autre est le Désespoir. » […]
Victor Hugo, les châtiments, XII carte d’Europe, 1853

La victime : celle qui s’écarte du droit chemin, la foi

Illustration pour The Dark Blue, D. H. Friston pour Carmilla, 1872
La victime sera celle qui cède à la tentation. Celle qui va s’écarter du droit chemin, la foi, pour sombrer entre autres dans une sexualité dite débridée.

Fils du pasteur, Le Fanu trempe naturellement sa plume dans le puritanisme, pour écrire Carmilla en 1872. Il innove en dotant son personnage d’une particularité physique qui ne quittera plus le vampire : les canines pointues. La narratrice, Laura, s’ennuie un peu en compagnie de son père dans son château de Styrie. Lorsque surgit d’un attelage accidenté la silhouette ravissante de Carmilla. Laura éprouve aussitôt une amitié trouble, faite d’attirance sensuelle et du sentiment qu’il existe entre elles des liens mystérieux. Elle tombe sous le charme de sa belle et mystérieuse invitée qui est hébergée dans le château. Carmilla s’avère être une vampire qui profite de la naïveté de Laura pour la séduire et, la nuit s’abreuver de son sang.

Métaphore implacable de l’amour interdit, Carmilla figure à la perfection l’héroïne du mal absolu, porteuse d’un sang maudit qui ouvre la voie à la plus perverse des expériences selon Le Fanu : l’écart de la foi et la sexualité sans procréation. Suggérée plus que décrite, l’homosexualité féminine est néanmoins très perceptible. Entre attraction et répulsion, la beauté de la femme vampire est indissociable du sentiment de perversité, d’impureté qui en émane. Laura, va éprouver des sentiments contradictoires.

« Or, à vrai dire, cette belle inconnue m’inspirait un sentiment inexplicable. J’étais effectivement, selon ses propres termes, “attirée vers elle”, mais j’éprouvais aussi une certaine répulsion à son égard. Néanmoins, dans cet état d’âme ambigu, l’attirance l’emportait de beaucoup. Elle m’intéressait et me captivait, car elle était très belle et possédait un charme indescriptible. » Sheridan Le Fanu, Carmilla (1872)

« On eût cru voir se manifester l’ardeur d’un amant. J’en étais fort gênée, car cela me semblait haïssable et pourtant irrésistible. » Sheridan Le Fanu, Carmilla (1872)

Illustration pour The Dark Blue, Michael Fitzgerald pour Carmilla, 1872

Il faut rappeler que l’attitude de l’église envers la sexualité était très négative. La relation sexuelle était envisagée uniquement en vue de la procréation et non pour le plaisir. Des expressions de l’hétérosexualité et de l’homosexualité étaient considérées comme péchés. L’homosexualité était jusqu’en 1973, officiellement définie comme maladie mentale par l’Association Psychiatrique Américaine et en France elle sera retirée des maladies mentales beaucoup plus tard en 1981 et en 1990, par l’Organisation Mondiale de la Santé (OMS).

« Sans m’en rendre compte. Je me trouvais à un stade assez avancé de la plus bizarre maladie qui eût jamais affligé un être humain. » Sheridan Le Fanu, Carmilla (1872)

« J’espère que nous ne sommes pas menacés de la peste ou de quelque fièvre maligne » Sheridan Le Fanu, Carmilla (1872)

La corruptrice, Carmilla, sera évidemment non-croyante. Le Fanu en ferra simplement son combat ou répondra-t’ il à ses simples interrogations ?

« Je m’étais souvent demandé si notre charmante invitée disait ses prières. Personnellement, je ne l’avais jamais vue à genoux. » Sheridan Le Fanu, Carmilla (1872)

« Le Créateur ! Disons plutôt la Nature ! S’exclama Carmilla en réponse à ces douces paroles. Oui, la maladie qui ravage ce pays est naturelle. Tout provient de la Nature, n’est-ce pas ? Tout ce qui existe dans le ciel, sur la terre et sous la terre, agit et vit selon ce qu’ordonne la Nature : telle est ma conviction. » Sheridan Le Fanu, Carmilla (1872)

La petite mort

Le vampire nous renvoie à deux instincts comme l’explique Jean Marigny (interview TF1 News pour la sortie du livre : la fascination des vampires). Il « renvoie à la dualité de l’homme et de l’animal, au rut à l’état brut, à l’instinct sexuel. Freud appelle l’extase de l’acte sexuel, la “petite mort. L’instinct sexuel et l’instinct de mort sont intimement liés. Le vampire, situé au carrefour de ces deux instincts, incarne ce qui nous touche le plus intimement : la peur de la mort, le désir sexuel et d’immortalité. »

On peut facilement relier les termes et voir dans le “baiser du vampire” ou “baiser de la mort” (morsure de vampire) ce que Freud appelle la “petite mort”. Il définit le plaisir comme la réduction des tensions, le retour à zéro, à la limite vers l’inanimé, la mort. Un désir de mort, mais un désir de vivre. S’abandonner à ce que la vie a de plus fort. Signe que nous sommes en vie, car en proie au désir. Georges Bataille l’explique dans l’Érotisme en s’appuyant sur l’histoire de Sainte Thérèse d’Avila.

« […] toute expérience mystique n’est qu’une sexualité transposée et donc une conduite névrotique. Ce désir de chavirer, qui travaille intimement chaque être humain, diffère néanmoins du désir de mourir en ce qu’il est ambigu : c’est le désir de mourir sans doute, mais c’est en même temps le désir de vivre, aux limites du possible et de l’impossible, avec une intensité toujours plus grande. C’est le désir de vivre en cessant de vivre ou de mourir sans cesser de vivre, le désir d’un état extrême que sainte Thérèse peut-être seule a dépeint assez fortement par ces mots : ‘Je meurs de ne pas mourir’ ! […] Sainte Thérèse chavira, mais ne mourut pas réellement du désir qu’elle eut de chavirer réellement. Elle perdit pied, elle ne fit que vivre plus violemment qu’elle put se dire à la limite de mourir, mais d’une mort qui, l’exaspérant, ne faisait pas cesser la vie. » (Georges Bataille, L’Érotisme, 1957)

Edvard Munch, Le Vampire, 1893

La relation entre le vampire et la petite mort s’éclaire avec le passage de texte de George Bataille, «Un désir de vivre en cessant de vivre ou de mourir sans cesser de vivre». Ne voit-on pas la une belle métaphore du baiser du vampire ? Mourir sans cesser de vivre ? Le Fanu écrit et décrit un magnifique et foudroyant orgasme dans l’une des petites morts de Laura. Entre désir, peur et perte de contrôle totale.

« Parfois, je sentais une main glisser lentement sur ma joue et sur mon cou. Parfois encore, des lèvres brûlantes couvraient mon visage de baisers qui se faisaient plus appuyés et plus amoureux à mesure qu’ils atteignaient ma gorge où se fixait leur caresse. Les battements de mon cœur s’accéléraient ; je respirais plus vite et plus profondément. Puis survenait une crise de sanglots qui me donnait une sensation d’étranglement et se transformait enfin en une convulsion effroyable au cours de laquelle je perdais l’usage de mes sens. »Sheridan Le Fanu, Carmilla (1872)

Concours de circonstances ? Coïncidence ?

Après la Révolution française, les guerres napoléoniennes, les révolutions industrielles vont bouleverser le paysage européen. Individualisations, inégalités sociales, le développement économique apporte ses transformations sociales, politiques et culturelles. Les aspirations deviennent essentiellement matérialistes et l’appétit de possession reflète déjà notre société actuelle. Tout repère a disparu. Dans cette nouvelle aventure, l’individu existe-t-il encore ? Entre espoirs et angoisses, l’intérêt accru pour le mythe du vampire au XIXe siècle prend vie et nous laisse des traces d’une société qui aspire à se libérer d’un carcan puritain.

Antéchrist, peur de l’autre, perversion sexuelle, péché, mais aussi la rupture de l’ordre politique, les interrogations sur la science, la religion… Comme nous l’avons vu précédemment une dualité entre ce que nous redoutons le plus et ce à quoi nous aspirons le plus.

Est-ce que la figure du vampire est porteuse de sens ? Une métaphore mouvante dans le temps ? Nous sommes en droit de nous le demander. Et de répondre pour l’instant par un oui timide avant de passer en revue les autres siècles.

À suivre les XXes et XXIes siècles.

Black Swan, film de Darren Aronofsky (PI, Requiem for a dream, The fountain, The wrestler) sorti sur les écrans français le 9 février 2011 est de ces films marquants, que l’on n’oublie pas. Nina, une jeune danseuse étoile (incarnée par Nathalie Portman – Oscar de la meilleure actrice 2011) du new york city ballet, rêve d’obtenir le rôle très convoité de la reine des cygnes dans le nouveau ballet à sortir de sa troupe : « le lac des cygnes » (ballet en quatre actes créé sur une musique de Piotr Ilitch Tchaïkovski (opus 20) et un livret de Vladimir Begichev -Il est basé sur des contes et légendes allemandes, et notamment « Voile dérobé » de Johann Karl August Musäu – à la fin du XIXe siècle). Ce ballet marque le renouveau de la troupe pour la rentrée, l’ancienne danseuse étoile Beth Macintyre (Winona Ryder) ayant raccroché ses chaussures. Le maître de ballet Thomas Leroy (incarné par un Vincent Cassel très convaincant) veut que celle qui donnera vie à la reine des cygnes soit parfaite. Nina est choisie, à sa grande surprise. Elle s’efforce depuis toute ces années de rechercher une perfection technique, mais la reine des cygnes est un rôle ambivalent, bipolaire. D’un côté, la face clair, le cygne blanc, gracieux, léger, obéissant, doux et élégant. De l’autre, le cygne noir, la face sombre, fougueuse, agressive, rebelle, brute et bestiale. Le maître n’a aucun doute quant à la capacité de Nina a incarner le cygne blanc. Mais la cygne noir, lui, semble hors de ses possibilités. Il n’est pas question de mesure mais de fougue. Il n’est pas question de maîtrise mais d’explosion. Il n’est pas question de perfection technique mais de puissance évocatrice et de sentiments. Mais Nina en est-t-elle capable ? Une autre danseuse de la troupe, Lilly (Mila Kunis), semble être la face noire parfaite du cygne aux yeux du maître, et il en fait la doublure de Nina.

S’amorce alors un compte à rebours jusqu’à la représentation aussi oppressant psychologiquement que physiquement.
Nina se bat contre son double, dans une course à la perfection dont personne ne ressort indemne, surtout pas le spectateur.

Un cinéma de l’oppression

La filmographie de Darren Aronofsky a de quoi impressionner, alors même que sa taille est plutôt réduite… Jugez plutôt :

5 films en 13 ans :

• π en 1998
• Requiem for a Dream en 2000
• The Fountain en 2006
• The Wrestler en 2008
• Black Swan en 2010

Darren Aronofsky nous a habitué par le passé à cette manière de filmer si caractéristique (notamment avec π, Requiem for a Dream et the wrestler). Enchainements rapides de plans, effets de ralenti, soin apporté aux bruitages, bande-son envoutante (qui ne se souvient du thème de Requiem for a dream créé par Clint Mansell ?), enchevêtrement de réalité et de fantastique, ambiance sombre etc. Black Swan ne déroge pas à ces codes, et toute la salle est parcourue d’un frisson à la vu d’un coupe ongle ou d’un miroir. L’ambiance oppressante du combat de Nathalie Portman contre elle-même s’appuie sur des codes cinématographique issu du thriller (de l’anglais « thrill », frissonner) dont Hitchcock était l’un des maitres incontestés. Le spectateur regarde le film la peur au ventre, se demandant sans cesse ce qui va advenir du héros. Cette interprétation outrancière du stress, des névroses et autres psychoses ne séduit pas tout le monde, mais il ne faut pas perdre de vue le caractère délibérément exagéré de la narration. Ainsi, les ressorts utilisés par le réalisateur maintiennent le spectateur dans un tension exacerbé qui décuple les émotions, et notamment l’angoisse. On peut y voir une surenchère émotionnalisante. Je préfère y voir une arme redoutable pour nous plonger au cœur du récit et de l’action.

Le culte de la perfection chez Kant

« La beauté n’ajoute rien à la perfection.
La perfection n’ajoute rien à la beauté. »

Telle est la formule d’Emmanuel Kant. Pour la comprendre, il convient d’examiner une notion : la distinction entre la beauté libre (pulchritudo vaga) et la beauté simplement adhérente (pulchritudo adhaerens). Cette notion est développée dans la « Critique de la faculté de juger« , publié en 1790. La beauté libre ne présuppose d’aucun concept de ce que l’objet doit être. Personne ne sait ce qu’une fleur ou le soleil doivent être. Lorsque nous jugeons de leur beauté, nous ne le faisons pas au travers du prisme de la perfection (atteinte ou non), puisque l’objet ne présente aucune finalité interne. Pour le dire plus simplement, la fleur ou le soleil sont des objets qui n’ont pas de fin en soi, déterminée par des concepts. »Est beau, ce qui plait universellement, sans concept », nous explique Kant. Ce qui est parfait l’est nécessairement conformément à un présupposé donné d’une fin à atteindre (perfection technique par exemple).

Il existe donc bien un concept de perfection dès lors que l’on parle de beauté adhérente mais il convient de ne pas confondre les 2 beautés. En quoi cette distinction nous intéresse ici ? Précisément parce qu’elle explique l’ambivalence de la reine des cygnes dans le film Black Swan. Nina s’efforce d’être parfaite, et donc de se rapprocher de cette beauté adhérente. Or, il est question d’une beauté tout autre pour le maitre, la beauté libre du cygne noir. Une beauté qui ne s’enracine pas dans une perfection et une maîtrise technique mais dans une satisfaction esthétique issue du « libre jeu » des facultés cognitives telles que l’imagination, l’entendement ou la perception etc.

Faut-il pour autant faire travailler cette conception esthétique avec la dialectique de l’obéissance et de l’insoumission ? Black Swan saute allégrement le pas.

Une ambivalence toute humaine.

Black Swan, c’est aussi un questionnement sur la bête qui sommeille en chaque Homme. Aleph et Dam dans Adam. Il convient de réinterroger cette éclairage expliquée par Guershom Sholem dans « le messianisme juif » afin d’éclairer différemment le personnage de la reine des cygnes. Adam, bien connu pour avoir transgressé l’injonction divine et avoir chuté du jardin d’Eden, revêt une signification particulièrement intéressante lorsque l’on s’attarde quelque peu sur son étymologie :
Constitué des lettres hébraïque aleph, daleth et mem, Adam se découpe en A(aleph) – Dam (Daleth & Mem). Dam, c’est le sang, la part animale de l’Homme pourrait on dire autrement, celle poussée par l’instinct de survie et les pulsions, asservie à ses besoins primaires : manger, se protéger, procréer. Aleph, c’est le souffle spirituel, Dieu diront certain, le rapport à l’infini des possibles diront d’autres, qui élève l’Homme et le pousse à changer, à réinventer le déjà-là du monde. « Nous avons un instinct qui nous élève, que nous ne pouvons réprimer » disait Pascal. A-Dam, c’est une unité réalisée dans l’effort constant d’union avec Dieu, qui fait de l’Homme une utopie (de a-topos, sans lieu) désirante, ou une volonté utopique pour parler comme Ernst Bloch. Pour le dire autrement, l’Homme seul, et contrairement à l’animal, est toujours là où on ne l’attend pas et se projette en permanence dans un monde autre. Voilà pourquoi l’espérance ou la croyance sont des sentiments profondément humain.

Pour un poétique voyage avec Aleph, je vous recommande ce lien :
>> De la parole au silence Rachel Fra. sur lézardes et murmures

Black Swan, c’est aussi le questionnement de l’identité et de la personnalité. Il est une notion que j’aime tout particulièrement chez Jung : la persona. Je l’ai déjà décrypté longuement dans d’autres billets (rendez-vous en terre inconnue ou make the girl dance) mais je voudrais y associer quelques références : Le double, la rivalité, nous même comme le pire adversaire de notre succès : voilà qui entre en résonance avec ce que nous montre Black Swan. Une Nina qui se débat avec elle même, avec ses propres angoisses et ses propres limites pour réussir. Impossible de ne pas faire le lien avec Fight club de David Fincher, ou Tyler Durden vient hanter Edward Norton, incarnant de façon aussi séduisante qu’effrayante les psychoses de ce dernier. Dans les deux film, le conflit entre les deux masques va se faire dans la violence autant que dans la séduction. Notons que cette opposition entre le cygne blanc et le cygne noir fait écho à l’histoire du ballet lui-même, puisque la princesse cygne (cygne blanc) affronte son sosie noir, qui fait perdre la tête au prince et sème la confusion. Plusieurs fins closent le ballet, l’une est heureuse et voit le prince et la princesse cygne s’aimer à tout jamais, l’autre est tragique avec la disparition du prince et la mort de la princesse cygne dans le chagrin. Chacun interprétera la fin de Black Swan avec sa propre grille…

Tchaïkovski et le lac des cygnes

Pour conclure ce long papier, intéressons nous à la genèse du lac des cygnes et a Tchaïkovski. Après un mariage motivé par les convenances mais à la mauvaise issue certaine, le compositeur entretient une relation épistolaire et platonique avec Nadejda von Meck. Cette dernière, finira par lui écrire : « Piotr Illyich, avez vous aimé ? Il me semble que non. Vous aimez trop la musique pour aimer une femme. »
- « J’aime trop les hommes pour aimer les femmes »aurait pu répondre Tchaïkovski, qui avait pris peu à peu conscience de l’implacabilité de ses attirances sexuelles.

Le lac des cygnes restitue cela avec une troublante force. Comme pour Siegfried, le personnage du prince du lac des cygnes, les amoures féminines sont interdites au compositeur. Toute relation charnelle avec le cygne blanc serait contraire aux lois humaines, toutes celles de Tchaïkovski avec une femme serait contraire à la loi du cœur. Le ballet du lac des cygnes et les représentations qui arrivèrent ne tardèrent pas à être perçu par le compositeur comme une humiliation puis une malédiction. Le ballet fut retiré de l’affiche et sombra dans l’oubli pendant 18 ans… Jusqu’à ce qu’un homme lui redonne le statut d’œuvre majeur qui était le sien : Marius Petipa, un précurseur de Darren Aronofsky qui livre à son tour une réinterprétation magistrale.

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Unthinkable (No limit en français) propose un scénario similaire : un terroriste a caché 3 bombes nucléaires sur le sol américain. Elles exploseront toutes si ses conditions ne sont pas respectées. De ce point, part une histoire bipolaire : jusqu’où les terroristes sont-ils prêts à aller, mais également de quels moyens « efficaces » disposons nous pour contrer ce genre d’attaque.

La question que pose ce film est double : « la fin justifie-t-elle les moyens ? » et en parallèle, « est-on prêt à mettre en péril sa propre humanité pour assurer des bien plus nobles ? ».

Ces questions me rappellent un autre excellent film sortit en 2008 : Watchmen – les gardiens. Sans trop en dire, le déroulement est long, lent, chaque personnage est fouillé, décortiqué, passé sous tous les angles, mais au final la grande question de ce film est bien « la fin justifie-t-elle les moyens ? ». Dans son sens le plus absolu. Watchmen est brillant, et il est emmené par l’excellemment brillant Zack Snyder.

Certes, « Unthinkable » ne peut pas prétendre arriver à la cheville de ce chef d’œuvre, mais il a la particularité d’emmener le spectateur avec le personnage principal, de plus dans un conflit et une problématique bien réelle et actuelle. Alors certes on peut reprocher la « piètre » performance de Micheal Sheen, pas vraiment crédible en tant que terroriste mais cela est peut être dû (comme souvent) à un mauvais doublage.

Le film n’en reste pas moins haletant, plein d’humanité et d’inhumanité à la fois. Il pose des questions sur le film lui-même, mais également sur notre être profond. En effet, le personnage incarné par Samuel L. Jackson se pose d’emblée comme le « maître de cérémonie », celui en qui toute confiance réside, qui n’a pas le droit à l’erreur… mais qui dispose également de TOUS les moyens nécessaires pour arriver à son but. Son travail est d’utiliser la torture pour faire révéler au terroriste l’emplacement des bombes. Maintenant il reste à savoir s’il peut mettre tout le monde de son côté et si sa confiance est méritée ou non.

Clairement réticente, le personnage joué par Carrie-Anne Moss représente un pont vers notre propre personne. Il est une sorte de « conscience » de l’Humanité.
La mission  de l’interrogateur est comparable à l’expérience de Milgram : Il va progressivement inviter les personnages à dépasser leurs bornes, et renoncer progressivement à leur humanité. Il se révèle comme un manipulateur très doué, faisant grandir le doute de de l’archétype de « l’Humanité ».

A partir du moment où l’humanité doute, se déplace du côté obscur, pour lui le pari est gagné. C’est d’ailleurs le même principe que pour l’expérience de Milgram : une fois que l’on a appuyé sur le bouton, on ne peut que continuer l’expérience. Nous n’y prenons pas de plaisir, c’est même une lutte intérieure qui se déroule, mais l’expérience continue néanmoins. Cependant dans le film, les « décharges électriques » sont bien réelles.

Je vous invite fortement à regarder ce film contemporain et engagé. Il entre parfaitement en écho par rapport aux récentes affaires de tortures perpétrées par l’armée américaine en Irak. C’est en cela que le film est puissant : En Irak on faisait fi de « la loi », mais que peut-on penser de tortures perpétrées à un citoyen Américain perpétrées sur le sol Américain ?

Et vous, seriez-vous également prêt à laisser de côté votre humanité ? Laisseriez-vous le maître de cérémonie vous dicter vos actes et vos paroles ?

Succès cinématographique du moment, le film de Xavier Beauvois à connu un franc succès depuis sa sortie le 8 septembre 2010. Les chiffrent parlent d’eux même : 2 388 299 spectateurs le 13 octobre en 6 semaines d’exploitation – 225 copies à sa sortie, 484 à la 6e semaine. Pour un film dont le champs lexical religieux aurait pu laisser imaginer un succès plus modeste, des hommes et des dieux s’en sort remarquablement. Les critiques sont globalement dithyrambiques, avec une notes moyenne de 4,1/5 côté presse et 3,5/5 côté spectateurs. (source : Allocine). Nous allons essayer de comprendre pourquoi.

L’histoire

Nuit du 26 au 27 Mai 1996, sept moines trappistes Français sont enlevés dans leur monastère de Tibhirines (Algérie) vers 3h du matin. La guerre civile algérienne bat son plein, les tensions sont partout et notamment là où des groupes extrémistes sèment la terreur sur les populations et massacrent des étrangers. Ce film nous conte leur histoire, de 1993 à 1996, période pendant laquelle le questionnement sur le choix de partir (pour se mettre à l’abri) ou de rester (au péril de leur vie) fut leur quotidien. Une histoire qui place au centre la condition mortelle des hommes et la peur qui en découle et interroge de façon radicale la liberté et le choix.

Quelques clés pour penser le succès du film :

• Le monde monastique dans lequel nous plonge le film est intrigant, mystérieux et à mille lieux de nos modes de vie post modernes contemporains

• L’histoire de ces moines de Tibhirines entre en résonance avec l’Histoire (Guerre d’Algérie – Lutte du gouvernement Algérien contre le GIA – relation entre Islam et Christianisme)

• Les émotions suscitées à une époque très rapprochée – Mai 1996 – pour tout un peuple ressurgissent et se mêlent à celles ressentis pendant le film

• Le besoin grandissant de spirituel dans nos sociétés rationalistes trouve un écho pendant 120 minutes

• L’exemple de ces hommes qui trouvent leur force dans une communauté soudée autant que dans leur intériorité

• Les doutes de ces humains qui malgré leur sagesse, s’interrogent, s’emportent, remettent en question leurs choix, cherchent à être entourés, tremblent pour leur vie…

• L’influence sur les spectateurs du grand prix du jury à Cannes

Bien sur, chacun mettra en perspective ces pistes de réflexions et en ajoutera d’autres.

Afin de faire saillir la place de ce grand prix du jury 2010, revenons un court instant sur le box office de 2010 afin de le confronter aux thématiques des autres succès de ce millésime.

Box office 2010 (à la date du 24 octobre 2010)

4 879 431 entrées

4 576 746 entrées

4 527 076 entrées

4 124 731 entrées

3 969 693 entrées

3 930 577 entrées

3 839 455 entrées

3 736 253 entrées

3 110 394 entrées

3 107 002 entrées

2 858 413 entrées

2 851 122 entrées

2 574 785 entrées

2 388 299 entrées

2 337 160 entrées

Des moines trappistes

Avant tout, « trappiste » est un terme familier pour qualifier un ordre cistercien, celui de la stricte observance. C’est un ordre monastique catholique, qui forme avec l’ordre cistercien et les moniales Bernardines la Famille cistercienne. Il découle d’une séparation juridique avec l’ordre de Cîteaux, et fut fondé en 1892.

Leur spiritualité tire ses sources de la Bible, des règles de Saint Benoît ainsi que des écrits des pères du monachisme (Jean Cassien, Basile de Césarée, Saint Bernard et Guillaume de Saint-Thierry pour n’en citer que quelques uns…). Son objectif premier est la recherche de Dieu et ses caractéristiques principales sont une certaine simplicité ainsi que la recherche d’un équilibre entre les formes traditionnelles de la prière monastique : liturgie des heures (prière commune, 7 fois par jour à partir de la Bible et en particulier des Psaumes. C’est cette fameuse prière collective que l’ont retrouve de manière ponctuelle dans le film de Beauvois), lectio divina (lecture priée de la bible ou d’auteurs spirituels) et oraison (prière personnelle silencieuse). Ces modalités sont omniprésente dans le film et connaitre leur origine et leur signification permet de prendre la mesure de leur importance. Les cisterciens trappistes valorisent le travail manuel, considéré comme hautement favorable à la prière (caractéristique que l’on retrouve également dans les différentes scènes) ainsi que le silence (sans s’interdire la communication) et le retrait du monde (monastère situé en des lieux écartés).

Le GIA ou groupe islamique armé

Groupe armé dont le but est de renverser le gouvernement Algérien afin d’instaurer un état islamique, le GIA est sur la liste des organisations terroristes de bien des pays tels que Etats-unis, Canada, Royaume-Uni, France et bien d’autres encore. Considérée comme proche d’al-Quaida et à ce titre sanctionnée par le conseil de sécurité des nations unies, le GIA se lance en 1992 dans la lutte armée. C’est à la suite des élections législatives de 1992, dont la victoire au 1er tour fut annulé par le gouvernement, que le GIA commence à sévir. Les activités ne sont pas glorieuses : violences faites aux populations, attentats (On se souvient tous des attentats du RER B à la station saint michel en 1995, opération organisée par le GIA), executions etc. La devise l’est encore moins : « Pas de dialogue, pas de réconciliation, pas de trêve« . Le GIA est divisé en deux clans : les salafistes qui militent pour une révolution islamique mondiale et les djazaristes qui cherchent à prendre le pouvoir en Algérie. Aujourd’hui l’organisation est pratiquement éradiquée à la suite notamment d’amnisties générales du président Abdelaziz Bouteflika dans les années 2000 qui permis à plusieurs milliers de combattant de retrouver une vie normale.

Cliquez sur l’image pour voir la galerie.

Au final, une histoire forte avec quelques bémols

Acteurs inégaux, certainement. Quelques carences concernant la vie des moines, sans aucun doute (comme par exemple le très peu de scènes montrant l’implication des moines dans la vie locale ainsi que leur intégration – mis à par pour Michael Lonsdale).  Quelques lenteurs et longueurs, assurément (les nombreuses scènes de prière peuvent déranger certains mais participent finalement pleinement de l’ambiance d’introspection du film). Mais une histoire tellement forte et quelques scènes véritablement intenses (l’intrusion des soldats la nuit de noël – le dialogue en toute simplicité de Michael Lonsdale avec une fille du village à propos de l’amour (improvisé par Lonsdale)  – la scène du repas sur le lac des cygne de Tchaïkovsky - les discussions autour de la fameuse table au sujet de l’avenir de la communauté etc.)

Ce qui ressort de ce film, c’est le silence extrêmement pesant de la dernière scène. La mort s’est insinuée, les silhouettes disparaissent peu à peu dans un brouillard blanchâtre mais les moines n’ont pas perdu leur liberté, allant au bout de leur démarche. Toute la question du film est ce fameux face à face avec la mort, qui pendant plus de 3 ans à véritablement hanté ces hommes d’église, prouvant d’ailleurs toute leur humanité. Pour les 3 monothéismes, la mort n’est pas la fin, elle est un commencement. Comme le disait Bossuet, la mort « offusque tout de son ombre« . Mais lorsqu’il s’agit de l’affronter, de la regarder en face comme le font ces moines de Tibhirines, la peur de mourir ressurgit avec force. C’est une leçon de courage que de continuer à agir en homme libre et de faire ce que l’on croît être le bien sans considérer la menace du trépas au moment de poser son choix. La question du choix est centrale, elle aussi, dans cette histoire que l’ont peut aisément imaginer se changer peu à peu en légende, tant son enseignement et les valeurs qu’elle met en scène sont fécondes.

Quelques liens multimédias :

>> pour aller plus loin, un décryptage du succès du film par Frédéric Lenoir, Directeur du Monde des religions

Bonjour et bienvenue en Afrique du Sud pour la Coupe du Monde 2010 de football ! Un endroit remarquable, un endroit fait de contrastes d’extrêmes inégalités, un endroit où la Coupe du monde privatise les profits en faisant peser les coûts sur la société. La FIFA, quel que soit le coût social, veut faire en sorte que le spectacle et les bénéfices soient une réussite. Le capitalisme n’atténue pas l’héritage douloureux de l’apartheid : racisme, pauvreté et inégalités.

On camoufle tous les conflits à grand coup de panneau publicitaire pour présenter aux yeux du monde l’image d’une nation unie et pour renforcer le prestige et la crédibilité de ses leaders politiques. L’organisation de la Coupe du monde n’a pourtant que très peu amélioré le niveau de vie de la plupart des citoyens et particulièrement des plus pauvres. Incapables de pouvoir se payer un billet pour le Mondial, ils vont être réduits à suivre la compétition parqués dans des « fans parks » approuvés par la FIFA et étroitement surveillés par la police. Il y a aussi les expulsions de milliers de gens qui ont été chassés de leurs foyers vers des bidonvilles, pour faire place aux nouveaux stades et ainsi épargner aux touristes le triste spectacle de la réalité.

Photographies réalisées par Pamela Beukes, secrétaire de la Campagne antiexpulsions de l’ouest du Cap

En déclarant que la Coupe du Monde était un « événement protégé« , le gouvernement, en accord avec les demandes de la FIFA, a adopté des lois qui « énoncent les lieux où les gens peuvent rouler en voiture et se garer, où ils peuvent vendre ou ne pas vendre, et où ils peuvent promener leurs chiens. » Expulsions, Répressions, surveillances… rappellent aux gens le temps de l’Apartheid.

 » Toute ma vie je me suis consacré à la lutte pour le peuple africain. J’ai combattu contre la domination blanche, et j’ai combattu contre la domination noire. J’ai chéri l’idéal d’une société libre et démocratique dans laquelle toutes les personnes vivraient ensemble en harmonie et avec les mêmes opportunités. C’est un idéal pour lequel j’espère vivre et que je veux accomplir. Mais si besoin est, c’est un idéal pour lequel je suis prêt à mourir. » (1962, Nelson Mandela).

On pouvait pourtant se laisser rêver à un « Invictus », une recherche de symbole et de solution susceptible d’unifier une nation. Pour ceux qui ont eu le plaisir de le voir, le film « Invictus » de Clint Eastwood raconte comment Nelson Mandela se sert du sport pour tenter d’unifier son pays lors de la Coupe du Monde de Rugby en Afrique du Sud en 1995. Nelson Mandela, alors fraîchement élu à la présidence de la république après avoir été incarcéré 27 ans, veut éviter la guerre civile dans un pays post-apartheid demeurant profondément divisé. Conscient des inégalités économiques et des fêlures raciales, il va essayer d’unifier son pays avec l’aide du capitaine des Springboks.

Tâche difficile quand on sait que le rugby était presque exclusivement pratiqué par des blancs et que le maillot de l’équipe nationale, représentait jusque-là l’incarnation du régime de l’apartheid.

« Je suis le maître de mon destin, le capitaine de mon âme » Extrait de « Invictus », poème de l’écrivain William Ernest Henley de 1875.

Clint Eastwood dès le premier plan installe les fissures ethniques du pays. Il montre un contraste d’inégalité entre les enfants noirs des bidonvilles et les Afrikaners dans leurs beaux uniformes. Dans un déséquilibre qui appelle à la haine, il  bâtit son histoire, ses personnages puis joue avec les clichés pour mieux les détourner. Le mérite en revient au jeu d’acteur : un très grand Morgan Freeman ! (Comme toujours sous la direction de Clint Eastwood) qui est d’ailleurs à l’origine du projet. Une mise en scène, fluide, efficace avec une trajectoire profondément humaniste.

Même s’il impose deux fois plutôt qu’une ses qualités, le film ne restera pas dans les annales. En effet, les aspects moins reluisants de l’évènement sont soigneusement mis de côté. Les scènes finales concernant le match Afrique du Sud/Nouvelle-Zélande reposent sur certains effets un peu maladroits. Les ralentis utilisés excessivement pour l’image, et surtout le ralenti du son, transforme le souffle des sportifs en brouhaha d’animaux sauvages.

Aujourd’hui, le coup d’envoi du mondial 2010 sera donné. Alors, pourquoi ne pas se laisser prendre au jeu et rêver à un « Invictus ». Le Président, Jacob Zuma à déclaré : « La coupe du monde est en train d’unir le pays comme jamais avant« .

Alors il y a peut être un espoir, l’espoir mondial !

Comme le 12 juillet 1998, ou la coupe du monde devenait l’image d’une France multiethnique et victorieuse. Ou le drapeau français était fier de se dire « black/blanc/beur« . On assistait à un grand déferlement de bons sentiments, une avalanche d’optimisme qui ont changé le climat moral du pays. Même si l’euphorie allait vite retomber, nous rappeler ces valeurs fait du bien.

Tous les quatre ans, un pays est prêt à dépenser des milliards pour organiser la Coupe du Monde. L’Afrique du Sud a dû dépenser 3 milliards d’euros pour ce mondial. Alors que l’on nous parle de déficit, de crise, de réduire les dépenses de santé, d’éducation, on se prépare déjà en France pour l’Euro 2016. Pourquoi ne pas les dépenser pour régler les problèmes économiques, sociaux et améliorer l’éducation dans le pays ? Malheureusement nous vivons dans un monde marchand, alors pourquoi dépenser de l’argent pour régler les problèmes d’un pays puisque cela n’engendre aucun bénéfice…

Mais soyons optimiste, Alors 1 et 2 et 3… zéro !

Un article et des photos réalisées par Pamela Beukes, secrétaire de la Campagne antiexpulsions de l’ouest du Cap.

–> http://www.courrierinternational.com/article/2010/05/06/a-l-ombre-des-stades-fleurit-la-misere

Louise Bourgeois - spider, 1997

Au MK2 Beaubourg et au Reflet Médicis est projeté un beau documentaire film-portrait sur Louise Bourgeois, Louise Bourgeois : l’araignée, la maîtresse, la mandarine, de la critique d’art américaine Amei Wallach et de la réalisatrice Marion Cajori.

D’apparence modeste le documentaire est centré sur cette femme de poigne, filmée dans l’intimité silencieuse de son atelier. Mêlant films d’archives et interviews dans un décor chaleureux à son domicile et à la fois angoissant par ses créations dans son atelier. Louise Bourgeois magnétise la caméra par l’intensité de son franc parler et se livre avec franchise, sans jamais trop en dire. Un juste milieu qui permet de cerner et de dessiner un parcours, celui d’une enfant née à la veille de la première Guerre Mondiale et déchirée à jamais par un père revenu transformé du front. Père qui prendra sa gouvernante installée à domicile pour maîtresse.

Louise Bourgeois - Red Room (parents), 1994

Née en France en 1911 et arrivée à New York en 1938, où elle a suivi son mari, l’historien de l’art américain Robert Goldwater, elle fréquentera les surréalistes en exil. Traversant le Surréalisme, l’Expressionnisme abstrait, le Minimalisme. Sa reconnaissance sera tardive, à l’âge de 60 ans, bien qu’aujourd’hui elle soit devenue l’une des artistes majeures de la seconde moitié du 20^e siècle et du début du 21^e siècle avec comme figure emblématique l’araignée. Les araignées géantes, ces sculptures métalliques noires monumentales, qu’elle réalise depuis le début des années 1990 que l’on peut retrouver aux quatre coins du monde, de Tokyo à Londres en passant par Paris, Bilbao, New-York…

Louise Bourgeois - Maman, 1999, aux Tuileries

Le langage personnel et autobiographique de Louise Bourgeois rejoint les pratiques les plus contemporaines, et exerce son influence sur de nombreux artistes. Son acte créateur est très proche de la psychanalyse, comme le montrent ses travaux qui renvoient en général à la famille, aux relations mère-enfant, père-enfant, et a des scènes à forte charge érotique. Avec ses araignées géantes, l’œuvre d’art a son rôle premier de rejouer les peurs (enfantines et inconscientes) pour les exorciser et transformer l’angoisse en plaisir. Elle associe aussi son propre travail à une toile d’émotions et de souvenirs qu’elle tisse et détisse et retisse. Ou comme elle le dira dans le titre d’une de ses œuvres de 1999-2000 : I do, I undo, I redo, Je fais, je défais, je refais. Qui sera la trame narrative et le découpage du film. I do, I undo, I redo, parcours chronologique pour découvrir des œuvres majeures de l’artiste.

Louise Bourgeois - I do, I undo, I redo, 1999-2000

Le procédé essentiel à son travail, est l’enchaînement, l’articulation de différents éléments entre eux se nouant, comme les parties d’une longue phrase visuelle, pour produire un sens nouveau et inattendu. L’assemblage, l’assemblage d’éléments hétéroclites et hétérogènes. Comme le disait Freud en parlant de l’inconscient, « il excelle à rassembler pêle-mêle des éléments hétéroclites ». Non comme les surréalistes, ce procédé ne vise pas à l’étonnement, ou la surprise du spectateur, il est au service de l’inconscient de l’artiste qui met en forme ses peurs et ses affects les plus anciens et les plus refoulés. Comme c’est écrit dans la partie supérieure de Precious liquids et je pense que Freud ne l’aurait pas contredit : « l’art est une garantie de santé mentale ».

Louise Bourgeois - Precious Liquids, 1992

Tim Burton s’attaque à son tour à l’univers d’Alice au pays des merveilles. Depuis la publication de ce conte de Lewis Carroll en 1865 et de sa suite De l’autre coté du miroir en 1871, cette œuvre a imprégné l’imaginaire de générations entières, enfants et adultes. Et d’adaptations en évolutions, elle a fait l’objet d’une multitude d’interprétations, de la simple histoire féérique au récit psychanalytique. Carroll va poser dans son œuvre une série de questions propres à alimenter des heures de réflexion. La réalité est-elle réductible aux apparences ? Le langage ne brouille-t-il pas l’expression de la réalité ? Le temps qui s’écoule est-il le même pour tous ?

Dans cette nouvelle œuvre cinématographique, Alice est désormais âgée de 19 ans. En tombant dans un trou, pour fuir la demande en mariage d’un lord, elle va retourner dans le monde fantastique qu’elle avait découvert quand elle était enfant.

Le lapin Blanc, la Chenille, le Chat du Cheshire et le Chapelier fou seront de l’aventure. Aller au cinéma, pour voir Burton nous offrir la suite de ce conte méritait bien une réservation d’urgence. Il pouvait encore, une fois de plus, nous offrir son monde merveilleux. Alice, un monde particulier, de logique, d’absurde et de poésie qui correspond à ses aspirations et univers.

Mais……………… !!!!!! En sortant du cinéma, il y a un mais…

La poésie est absente ! Où sont les devinettes, les mots si bizarres, l’absurde et l’obsession de Carroll pour la logique ? Où est la poésie gothico-romantique de Burton ?

Merci à Linda Woolverton qui signe ici le scénario (elle avait déjà signé le scénario de La Belle et la Bête de Disney). Un scénario non approprié à la poésie de Burton. Qu’on lui coupe la tête !

En dépit de son utilisation habile de la trame des deux romans de Carroll (Alice au pays des merveilles et De l’autre coté du miroir), elle enfile consciencieusement toute l’histoire d’Alice avec un rythme au métronome. Ni les personnages, ni l’histoire n’ont vraiment la possibilité de se déployer. Pas d’accident, pas de retard, pas de surprise,  il faut que tout soit bouclé pour rentrer dans un format. Précipitation ? Timing commercial ?  Budget ? Tout simplement Disney… !?

Burton crée pourtant un monde onirique, à l’esthétique presque parfaite. Il  essaye de transcender cette limite en exploitant la moindre des possibilités picturales que lui autorise ce scénario. Mais avec ce manque de poésie qui sous sa plume aurait été empreint au romantisme noir, le film nous laisse un goût amer.  Burton se trouve freiné et ne peut exploiter complètement ou comme on l’avait souhaité dans nos rêves les plus sombre la réalisation de ce film.

Il déploie pourtant tout un univers graphique, en jouant sans cesse de perspectives et d’effets de montage empruntés à l’école expressionniste. Il va se jouer du scénario pour nous offrir son Wonderland. Effets d’optiques, proportions et distorsions vont  prolonger la complexité psychologique des personnages.

Bien que Alice penche côté Disney, Danny Elfman fidèle compositeur des films de Burton nous accompagne dans une atmosphère mélodique sombre et envoutante, nous rappelant l’univers si familier du cinéaste. Outre la B.O du film de Elfman, une B.O alternative regroupe 16 morceaux de divers artistes ayant accepté de créer des chansons en rapport avec l’œuvre de Lewis Carroll. La démarche artistique est intéressante, dommage qu’elle vienne rajouter une fois de plus une dimension purement commerciale.  Qu’on lui coupe la tête !

Malgré tout, avec un peu de recule on se dit que « ce n’est pas si mal que ça pour un Disney ».

Alors rêve ou réalité commerciale ?

Burton lui, dans son adaptation, se garde bien de nous donner une réponse.

Avatar © 20th century fox – les images et les vidéos présentées sont la propriété de 20th Century Fox

Alors maintenant les superlatifs : Annoncé comme « la révolution du cinéma numérique« , le film a bénéficié d’un budget de près de 500 millions de dollars, dont 250 millions en publicité. Largement remboursé en un week-end, près de 8 millions d’entrées en France au 8 Janvier, 1 Milliard 150 Million de dollars de recettes mondiale à la même date. Alors oui, le film est bon, mais pas si bon qu’escompté.
Le scénario a mis 10 ans a s’écrire, James Cameron y travaillant seul. Concrètement le scénario est vite résumé, c’est une allégorie de l’histoire des immigrés Américains qui ont exploités et méprisés les Amérindiens. Basiquement on retrouve le thème de l’exploitation du faible par le fort, le mépris du fort envers le faible même. On peut trouver dans le film des similitudes avec les classiques Danse avec les loups, ou Abyss.

Au final quelle est la révolution promise par Cameron ? A part l’utilisation de la 3D pour certaines séquences spectaculaires (le vol sur les Ikran, différentes scènes de combat…) il n’y a vraiment, vraiment pas de quoi crier au génie.
Cette utilisation de la 3D justement, parlons-en : qu’apporte la 3D dans le visionnage d’un film ? actuellement voir un film en 3D coûte 3 euros plus cher que n’importe quel autre projection, ce qui est clairement abusé quand on voit le prix des places à l’heure actuelle. De plus la 3D n’apporte pas vraiment grand chose au film, elle est même parfois dérangeante (surtout 2h40 durant…). Concrètement l’argument 3D est, à mon sens, présent pour palier à la crise (et encore, pas sûr…) que connait le monde du cinéma actuellement. Il agit en sorte comme palliatif en attendant la vraie solution. Car oui, pour l’instant avoir un matériel compatible 3D chez soit revient assez cher à l’heure actuelle, alors qu’avoir un matériel Home Cinema digne de ce nom est presque accessible à tous. Dès lors, pourquoi aller voir un film au cinéma ? Réponse toute faite : pour la 3D. Et pas pour les 30 minutes de publicités (ou plutôt advertainment, ces publicités entrecoupées de bandes annonces) qui nous ont aussi coûté 13 euros pour être assis à côté d’un glouton mangeur de popcorn et autres accros du téléphone ou du commentaire audio « live ».
Mais revenons au film.

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Ce n’est certainement pas le scénario qui fonctionne dans ce film, ni les plans de caméra déjà vus et revus. Comme le disait Terry Giliam à propos des effets spéciaux « Une vague géante déferle sur la Maison Blanche ? et alors ? ».
En clair ; passés les effets spéciaux, que reste-t-il du film ? Réponse : pas grand chose hormis l’univers de Pandora.
C’est à mon sens l’un des seuls points forts de ce film, la richesse du bestiaire, de la faune et de la flore du monde de Pandora.
Au final cela découle sur une machine marketing bien rodée. Depuis (et même avant) la sortie du film on a une quantité phénoménale de produits dérivés : T-shirts, coffrets, figurines, jouets, jeux vidéos multi-plateforme…
Autant dire que la machine marketing de Cameron est bien rodée : on ne pourra pas échapper à Avatar. L’univers d’Avatar rentrant en collision avec le notre.

Concrètement ce que le film nous donne à voir c’est un monde humain/terrien, emplie de rancœur, de cupidité, d’égoïsme et de chaos face à un monde plein de beauté, de grâce, d’harmonie et de sens. C’est tout de même le point le plus affreux du film : voir qu’en 2154 l’homme n’a pas changé d’un iota. Le constat était le même dans les précédents film du réalisateur que sont Abyss ou Terminator, simplement cette production va plus loin.
On nous parle ici d’initiation : nous voyons et vivons l’évolution du héros. Nous connaissons et ressentons ses doutes, ses peurs, ses aptitudes.  Nous découvrons le monde poétique des Naa’vi qui rentre en collision frontale avec le monde marchand et raisonné des Humains. Pandora est un monde poétique, d’une beauté et d’une imagination sans fin.

Intéressant aussi est « l’objet », le « corps » Avatar. Combinaison de l’ADN humain et Naa’vi, il est un übermensch Nietzschéen. L’avatar combine toute la force la puissance et la grâce d’un corps Naa’vi, et « l’intelligence » et la connaissance d’un Humain. Représente-t-il de facto, physiquement et psychologiquement, l’être idéal ? de liaison entre les cultures ? l’évolution de l’Homme, qui doit retourner vers sa mère (nature)  et redécouvrir la beauté du monde qui l’entoure ?
On peut aussi percevoir les prémices de la sortie au grand public du néo-tribalisme à l’œuvre notamment sur internet (réseaux sociaux). On a en effet une communauté plutôt attrayante de personnages ayant des valeurs, une culture et une histoire, regroupés ensemble et soudés (nous le voyons clairement dans le film). On peut retrouver ici des similitudes avec les jeux massivement multi-joueurs en ligne (WoW notamment), mais par extension tous nos avatars virtuels (facebook, twitter…).

Au final ces deux mondes distincts parviendront-ils à se rencontrer convenablement, à vivre ensemble ? Dans notre monde il faudra attendre, et dans celui de James Cameron aussi, les acteurs principaux ayant signés pour 2 autres films…

Et vous, qu’en avez-vous pensé ? vrai révolution ou poudre aux yeux ?