Bonjour et bienvenue en Afrique du Sud pour la Coupe du Monde 2010 de football ! Un endroit remarquable, un endroit fait de contrastes d’extrêmes inégalités, un endroit où la Coupe du monde privatise les profits en faisant peser les coûts sur la société. La FIFA, quel que soit le coût social, veut faire en sorte que le spectacle et les bénéfices soient une réussite. Le capitalisme n’atténue pas l’héritage douloureux de l’apartheid : racisme, pauvreté et inégalités.

On camoufle tous les conflits à grand coup de panneau publicitaire pour présenter aux yeux du monde l’image d’une nation unie et pour renforcer le prestige et la crédibilité de ses leaders politiques. L’organisation de la Coupe du monde n’a pourtant que très peu amélioré le niveau de vie de la plupart des citoyens et particulièrement des plus pauvres. Incapables de pouvoir se payer un billet pour le Mondial, ils vont être réduits à suivre la compétition parqués dans des « fans parks » approuvés par la FIFA et étroitement surveillés par la police. Il y a aussi les expulsions de milliers de gens qui ont été chassés de leurs foyers vers des bidonvilles, pour faire place aux nouveaux stades et ainsi épargner aux touristes le triste spectacle de la réalité.

Photographies réalisées par Pamela Beukes, secrétaire de la Campagne antiexpulsions de l’ouest du Cap

En déclarant que la Coupe du Monde était un « événement protégé« , le gouvernement, en accord avec les demandes de la FIFA, a adopté des lois qui « énoncent les lieux où les gens peuvent rouler en voiture et se garer, où ils peuvent vendre ou ne pas vendre, et où ils peuvent promener leurs chiens. » Expulsions, Répressions, surveillances… rappellent aux gens le temps de l’Apartheid.

 » Toute ma vie je me suis consacré à la lutte pour le peuple africain. J’ai combattu contre la domination blanche, et j’ai combattu contre la domination noire. J’ai chéri l’idéal d’une société libre et démocratique dans laquelle toutes les personnes vivraient ensemble en harmonie et avec les mêmes opportunités. C’est un idéal pour lequel j’espère vivre et que je veux accomplir. Mais si besoin est, c’est un idéal pour lequel je suis prêt à mourir. » (1962, Nelson Mandela).

On pouvait pourtant se laisser rêver à un « Invictus », une recherche de symbole et de solution susceptible d’unifier une nation. Pour ceux qui ont eu le plaisir de le voir, le film « Invictus » de Clint Eastwood raconte comment Nelson Mandela se sert du sport pour tenter d’unifier son pays lors de la Coupe du Monde de Rugby en Afrique du Sud en 1995. Nelson Mandela, alors fraîchement élu à la présidence de la république après avoir été incarcéré 27 ans, veut éviter la guerre civile dans un pays post-apartheid demeurant profondément divisé. Conscient des inégalités économiques et des fêlures raciales, il va essayer d’unifier son pays avec l’aide du capitaine des Springboks.

Tâche difficile quand on sait que le rugby était presque exclusivement pratiqué par des blancs et que le maillot de l’équipe nationale, représentait jusque-là l’incarnation du régime de l’apartheid.

« Je suis le maître de mon destin, le capitaine de mon âme » Extrait de « Invictus », poème de l’écrivain William Ernest Henley de 1875.

Clint Eastwood dès le premier plan installe les fissures ethniques du pays. Il montre un contraste d’inégalité entre les enfants noirs des bidonvilles et les Afrikaners dans leurs beaux uniformes. Dans un déséquilibre qui appelle à la haine, il  bâtit son histoire, ses personnages puis joue avec les clichés pour mieux les détourner. Le mérite en revient au jeu d’acteur : un très grand Morgan Freeman ! (Comme toujours sous la direction de Clint Eastwood) qui est d’ailleurs à l’origine du projet. Une mise en scène, fluide, efficace avec une trajectoire profondément humaniste.

Même s’il impose deux fois plutôt qu’une ses qualités, le film ne restera pas dans les annales. En effet, les aspects moins reluisants de l’évènement sont soigneusement mis de côté. Les scènes finales concernant le match Afrique du Sud/Nouvelle-Zélande reposent sur certains effets un peu maladroits. Les ralentis utilisés excessivement pour l’image, et surtout le ralenti du son, transforme le souffle des sportifs en brouhaha d’animaux sauvages.

Aujourd’hui, le coup d’envoi du mondial 2010 sera donné. Alors, pourquoi ne pas se laisser prendre au jeu et rêver à un « Invictus ». Le Président, Jacob Zuma à déclaré : « La coupe du monde est en train d’unir le pays comme jamais avant« .

Alors il y a peut être un espoir, l’espoir mondial !

Comme le 12 juillet 1998, ou la coupe du monde devenait l’image d’une France multiethnique et victorieuse. Ou le drapeau français était fier de se dire « black/blanc/beur« . On assistait à un grand déferlement de bons sentiments, une avalanche d’optimisme qui ont changé le climat moral du pays. Même si l’euphorie allait vite retomber, nous rappeler ces valeurs fait du bien.

Tous les quatre ans, un pays est prêt à dépenser des milliards pour organiser la Coupe du Monde. L’Afrique du Sud a dû dépenser 3 milliards d’euros pour ce mondial. Alors que l’on nous parle de déficit, de crise, de réduire les dépenses de santé, d’éducation, on se prépare déjà en France pour l’Euro 2016. Pourquoi ne pas les dépenser pour régler les problèmes économiques, sociaux et améliorer l’éducation dans le pays ? Malheureusement nous vivons dans un monde marchand, alors pourquoi dépenser de l’argent pour régler les problèmes d’un pays puisque cela n’engendre aucun bénéfice…

Mais soyons optimiste, Alors 1 et 2 et 3… zéro !

Un article et des photos réalisées par Pamela Beukes, secrétaire de la Campagne antiexpulsions de l’ouest du Cap.

–> http://www.courrierinternational.com/article/2010/05/06/a-l-ombre-des-stades-fleurit-la-misere

Louise Bourgeois - spider, 1997

Au MK2 Beaubourg et au Reflet Médicis est projeté un beau documentaire film-portrait sur Louise Bourgeois, Louise Bourgeois : l’araignée, la maîtresse, la mandarine, de la critique d’art américaine Amei Wallach et de la réalisatrice Marion Cajori.

D’apparence modeste le documentaire est centré sur cette femme de poigne, filmée dans l’intimité silencieuse de son atelier. Mêlant films d’archives et interviews dans un décor chaleureux à son domicile et à la fois angoissant par ses créations dans son atelier. Louise Bourgeois magnétise la caméra par l’intensité de son franc parler et se livre avec franchise, sans jamais trop en dire. Un juste milieu qui permet de cerner et de dessiner un parcours, celui d’une enfant née à la veille de la première Guerre Mondiale et déchirée à jamais par un père revenu transformé du front. Père qui prendra sa gouvernante installée à domicile pour maîtresse.

Louise Bourgeois - Red Room (parents), 1994

Née en France en 1911 et arrivée à New York en 1938, où elle a suivi son mari, l’historien de l’art américain Robert Goldwater, elle fréquentera les surréalistes en exil. Traversant le Surréalisme, l’Expressionnisme abstrait, le Minimalisme. Sa reconnaissance sera tardive, à l’âge de 60 ans, bien qu’aujourd’hui elle soit devenue l’une des artistes majeures de la seconde moitié du 20^e siècle et du début du 21^e siècle avec comme figure emblématique l’araignée. Les araignées géantes, ces sculptures métalliques noires monumentales, qu’elle réalise depuis le début des années 1990 que l’on peut retrouver aux quatre coins du monde, de Tokyo à Londres en passant par Paris, Bilbao, New-York…

Louise Bourgeois - Maman, 1999, aux Tuileries

Le langage personnel et autobiographique de Louise Bourgeois rejoint les pratiques les plus contemporaines, et exerce son influence sur de nombreux artistes. Son acte créateur est très proche de la psychanalyse, comme le montrent ses travaux qui renvoient en général à la famille, aux relations mère-enfant, père-enfant, et a des scènes à forte charge érotique. Avec ses araignées géantes, l’œuvre d’art a son rôle premier de rejouer les peurs (enfantines et inconscientes) pour les exorciser et transformer l’angoisse en plaisir. Elle associe aussi son propre travail à une toile d’émotions et de souvenirs qu’elle tisse et détisse et retisse. Ou comme elle le dira dans le titre d’une de ses œuvres de 1999-2000 : I do, I undo, I redo, Je fais, je défais, je refais. Qui sera la trame narrative et le découpage du film. I do, I undo, I redo, parcours chronologique pour découvrir des œuvres majeures de l’artiste.

Louise Bourgeois - I do, I undo, I redo, 1999-2000

Le procédé essentiel à son travail, est l’enchaînement, l’articulation de différents éléments entre eux se nouant, comme les parties d’une longue phrase visuelle, pour produire un sens nouveau et inattendu. L’assemblage, l’assemblage d’éléments hétéroclites et hétérogènes. Comme le disait Freud en parlant de l’inconscient, « il excelle à rassembler pêle-mêle des éléments hétéroclites ». Non comme les surréalistes, ce procédé ne vise pas à l’étonnement, ou la surprise du spectateur, il est au service de l’inconscient de l’artiste qui met en forme ses peurs et ses affects les plus anciens et les plus refoulés. Comme c’est écrit dans la partie supérieure de Precious liquids et je pense que Freud ne l’aurait pas contredit : « l’art est une garantie de santé mentale ».

Louise Bourgeois - Precious Liquids, 1992

Tim Burton s’attaque à son tour à l’univers d’Alice au pays des merveilles. Depuis la publication de ce conte de Lewis Carroll en 1865 et de sa suite De l’autre coté du miroir en 1871, cette œuvre a imprégné l’imaginaire de générations entières, enfants et adultes. Et d’adaptations en évolutions, elle a fait l’objet d’une multitude d’interprétations, de la simple histoire féérique au récit psychanalytique. Carroll va poser dans son œuvre une série de questions propres à alimenter des heures de réflexion. La réalité est-elle réductible aux apparences ? Le langage ne brouille-t-il pas l’expression de la réalité ? Le temps qui s’écoule est-il le même pour tous ?

Dans cette nouvelle œuvre cinématographique, Alice est désormais âgée de 19 ans. En tombant dans un trou, pour fuir la demande en mariage d’un lord, elle va retourner dans le monde fantastique qu’elle avait découvert quand elle était enfant.

Le lapin Blanc, la Chenille, le Chat du Cheshire et le Chapelier fou seront de l’aventure. Aller au cinéma, pour voir Burton nous offrir la suite de ce conte méritait bien une réservation d’urgence. Il pouvait encore, une fois de plus, nous offrir son monde merveilleux. Alice, un monde particulier, de logique, d’absurde et de poésie qui correspond à ses aspirations et univers.

Mais……………… !!!!!! En sortant du cinéma, il y a un mais…

La poésie est absente ! Où sont les devinettes, les mots si bizarres, l’absurde et l’obsession de Carroll pour la logique ? Où est la poésie gothico-romantique de Burton ?

Merci à Linda Woolverton qui signe ici le scénario (elle avait déjà signé le scénario de La Belle et la Bête de Disney). Un scénario non approprié à la poésie de Burton. Qu’on lui coupe la tête !

En dépit de son utilisation habile de la trame des deux romans de Carroll (Alice au pays des merveilles et De l’autre coté du miroir), elle enfile consciencieusement toute l’histoire d’Alice avec un rythme au métronome. Ni les personnages, ni l’histoire n’ont vraiment la possibilité de se déployer. Pas d’accident, pas de retard, pas de surprise,  il faut que tout soit bouclé pour rentrer dans un format. Précipitation ? Timing commercial ?  Budget ? Tout simplement Disney… !?

Burton crée pourtant un monde onirique, à l’esthétique presque parfaite. Il  essaye de transcender cette limite en exploitant la moindre des possibilités picturales que lui autorise ce scénario. Mais avec ce manque de poésie qui sous sa plume aurait été empreint au romantisme noir, le film nous laisse un goût amer.  Burton se trouve freiné et ne peut exploiter complètement ou comme on l’avait souhaité dans nos rêves les plus sombre la réalisation de ce film.

Il déploie pourtant tout un univers graphique, en jouant sans cesse de perspectives et d’effets de montage empruntés à l’école expressionniste. Il va se jouer du scénario pour nous offrir son Wonderland. Effets d’optiques, proportions et distorsions vont  prolonger la complexité psychologique des personnages.

Bien que Alice penche côté Disney, Danny Elfman fidèle compositeur des films de Burton nous accompagne dans une atmosphère mélodique sombre et envoutante, nous rappelant l’univers si familier du cinéaste. Outre la B.O du film de Elfman, une B.O alternative regroupe 16 morceaux de divers artistes ayant accepté de créer des chansons en rapport avec l’œuvre de Lewis Carroll. La démarche artistique est intéressante, dommage qu’elle vienne rajouter une fois de plus une dimension purement commerciale.  Qu’on lui coupe la tête !

Malgré tout, avec un peu de recule on se dit que « ce n’est pas si mal que ça pour un Disney ».

Alors rêve ou réalité commerciale ?

Burton lui, dans son adaptation, se garde bien de nous donner une réponse.

Avatar © 20th century fox – les images et les vidéos présentées sont la propriété de 20th Century Fox

Alors maintenant les superlatifs : Annoncé comme « la révolution du cinéma numérique« , le film a bénéficié d’un budget de près de 500 millions de dollars, dont 250 millions en publicité. Largement remboursé en un week-end, près de 8 millions d’entrées en France au 8 Janvier, 1 Milliard 150 Million de dollars de recettes mondiale à la même date. Alors oui, le film est bon, mais pas si bon qu’escompté.
Le scénario a mis 10 ans a s’écrire, James Cameron y travaillant seul. Concrètement le scénario est vite résumé, c’est une allégorie de l’histoire des immigrés Américains qui ont exploités et méprisés les Amérindiens. Basiquement on retrouve le thème de l’exploitation du faible par le fort, le mépris du fort envers le faible même. On peut trouver dans le film des similitudes avec les classiques Danse avec les loups, ou Abyss.

Au final quelle est la révolution promise par Cameron ? A part l’utilisation de la 3D pour certaines séquences spectaculaires (le vol sur les Ikran, différentes scènes de combat…) il n’y a vraiment, vraiment pas de quoi crier au génie.
Cette utilisation de la 3D justement, parlons-en : qu’apporte la 3D dans le visionnage d’un film ? actuellement voir un film en 3D coûte 3 euros plus cher que n’importe quel autre projection, ce qui est clairement abusé quand on voit le prix des places à l’heure actuelle. De plus la 3D n’apporte pas vraiment grand chose au film, elle est même parfois dérangeante (surtout 2h40 durant…). Concrètement l’argument 3D est, à mon sens, présent pour palier à la crise (et encore, pas sûr…) que connait le monde du cinéma actuellement. Il agit en sorte comme palliatif en attendant la vraie solution. Car oui, pour l’instant avoir un matériel compatible 3D chez soit revient assez cher à l’heure actuelle, alors qu’avoir un matériel Home Cinema digne de ce nom est presque accessible à tous. Dès lors, pourquoi aller voir un film au cinéma ? Réponse toute faite : pour la 3D. Et pas pour les 30 minutes de publicités (ou plutôt advertainment, ces publicités entrecoupées de bandes annonces) qui nous ont aussi coûté 13 euros pour être assis à côté d’un glouton mangeur de popcorn et autres accros du téléphone ou du commentaire audio « live ».
Mais revenons au film.

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Ce n’est certainement pas le scénario qui fonctionne dans ce film, ni les plans de caméra déjà vus et revus. Comme le disait Terry Giliam à propos des effets spéciaux « Une vague géante déferle sur la Maison Blanche ? et alors ? ».
En clair ; passés les effets spéciaux, que reste-t-il du film ? Réponse : pas grand chose hormis l’univers de Pandora.
C’est à mon sens l’un des seuls points forts de ce film, la richesse du bestiaire, de la faune et de la flore du monde de Pandora.
Au final cela découle sur une machine marketing bien rodée. Depuis (et même avant) la sortie du film on a une quantité phénoménale de produits dérivés : T-shirts, coffrets, figurines, jouets, jeux vidéos multi-plateforme…
Autant dire que la machine marketing de Cameron est bien rodée : on ne pourra pas échapper à Avatar. L’univers d’Avatar rentrant en collision avec le notre.

Concrètement ce que le film nous donne à voir c’est un monde humain/terrien, emplie de rancœur, de cupidité, d’égoïsme et de chaos face à un monde plein de beauté, de grâce, d’harmonie et de sens. C’est tout de même le point le plus affreux du film : voir qu’en 2154 l’homme n’a pas changé d’un iota. Le constat était le même dans les précédents film du réalisateur que sont Abyss ou Terminator, simplement cette production va plus loin.
On nous parle ici d’initiation : nous voyons et vivons l’évolution du héros. Nous connaissons et ressentons ses doutes, ses peurs, ses aptitudes.  Nous découvrons le monde poétique des Naa’vi qui rentre en collision frontale avec le monde marchand et raisonné des Humains. Pandora est un monde poétique, d’une beauté et d’une imagination sans fin.

Intéressant aussi est « l’objet », le « corps » Avatar. Combinaison de l’ADN humain et Naa’vi, il est un übermensch Nietzschéen. L’avatar combine toute la force la puissance et la grâce d’un corps Naa’vi, et « l’intelligence » et la connaissance d’un Humain. Représente-t-il de facto, physiquement et psychologiquement, l’être idéal ? de liaison entre les cultures ? l’évolution de l’Homme, qui doit retourner vers sa mère (nature)  et redécouvrir la beauté du monde qui l’entoure ?
On peut aussi percevoir les prémices de la sortie au grand public du néo-tribalisme à l’œuvre notamment sur internet (réseaux sociaux). On a en effet une communauté plutôt attrayante de personnages ayant des valeurs, une culture et une histoire, regroupés ensemble et soudés (nous le voyons clairement dans le film). On peut retrouver ici des similitudes avec les jeux massivement multi-joueurs en ligne (WoW notamment), mais par extension tous nos avatars virtuels (facebook, twitter…).

Au final ces deux mondes distincts parviendront-ils à se rencontrer convenablement, à vivre ensemble ? Dans notre monde il faudra attendre, et dans celui de James Cameron aussi, les acteurs principaux ayant signés pour 2 autres films…

Et vous, qu’en avez-vous pensé ? vrai révolution ou poudre aux yeux ?

An epidemic of violence, crime and drunkenness has made Britain scared of its young. What’s causing this crisis?

le film est une réflexion très actuelle sur l’identité et la jeunesse (anglaise).

Une production de Lincoln Waldron et une bande son de Ben Lukas Boysen pour un film écrit et dirigé par Rob Chiu (qui a fondé l’agence The Ronin à Londres).

Coco, c’est l’histoire d’un père, puissant industriel, qui veut organiser la « BM » (bar mitzvah) de son fils. Partit de rien, immigré en France il y a 15 ans, Simon Ben Soussan a une idée de génie, qui va révolutionner la manière dont nous consommons notre eau. Il est l’inventeur de « l’eau frétillante », concept marketing puissant, sur lequel il a bâtit sa fortune. On remarque tout de suite la banalité navrante de l’objet, bien que dans la symbolique l’eau soit source de toute vie, elle purifie, lave les pêchés, etc. Coco lui, en bon archétype de la Modernité, en fait commerce.
Le film s’ouvre donc sur la remise par un membre du gouvernement de la récompense la plus haute de l’Etat français, la Légion d’Honneur. Ainsi c’est l’occasion de découvrir le personnage et son univers fait d’excentricités notoires et de ce qu’on appel communément maintenant show-off. Le but de la soirée qui s’en-suit : nous « éclater ». L’histoire s’installe après avoir découvert l’univers (impitoyable) dans lequel évolue Coco, et on survole pendant tout le film le sujet, à savoir l’organisation de la « BM » de Samuel, le fils de Coco. On note qu’en hébreu « Samuel » peut se traduire par « celui qui vient de dieu ». Etonnante coïncidence ou volonté assumée de la part des scénaristes ?
La vision d’une photo de lui et son défunt père (là d’où il vient) va provoquer un choc émotionnel si fort que Coco va vouloir avancer la BM de son fils, et lui offrir la plus grande BM que le monde ait jamais connu. A partir de là les choses s’accélèrent et Coco décide de tout, si bien qu’il ne fait  même plus attention à sa famille, à son fils et à ses envies. En fait cette bar mitzvah représente l’occasion de concrétiser le sacre de « Coco » Ben Soussan.

S’en suivent des dégoulinantes scènes de mégalomanie pathologiques plus extravagantes les unes que les autres. Le personnage a beau être un tant soit peu attachant (heureusement), il suinte la non-modestie, et veut à tout prix montrer (avant de mourir ?) qu’il est le plus grand, la meilleure personne que la Terre ait porté, qu’il peut faire ce qu’il veut. Bref, il incarne parfaitement bien les travers de l’Homme moderne, à savoir une mégalomanie latente, un non-respect des origines des choses, une extravagance insolente et des actes de toute façon jugés inconséquents.
C’est seulement lorsqu’il a épuisé tous ses moyens d’actions, tout son « savoir », toute sa « richesse », et qu’il n’a pas trouvé de solution miracle qu’il va enfin comprendre. Une seule chose à faire pour exister aux yeux et dans le cœur de ceux qui lui sont chers/chair : écouter son fils. C’est pourtant simple, mais Coco est un « self-made man », il s’auto-construit, croyant que lui seul peut résoudre ses problèmes et mener sa vie. Il n’a pas besoin d’autre sanction que sa propre pensée. Mais peut-on vraiment mener une vraie vie sans s’ouvrir à l’altérité ? sans prendre en compte le fait qu’il existe autre chose que notre personne, et que peut-être, éventuellement, être à l’écoute peut nous amener plus loin que nous même ?
Comment en effet exister aux yeux des autres si on ne s’y confronte pas ? Coco ne s’en rend malheureusement compte que brièvement, mais il est déjà sur le chemin, et ce qui importe c’est bien la route, et non le but.

Coco © StudioCanal – les images et les vidéos présentées sont la propriété de StudioCanal

Si vous avez vu ce film n’hésitez pas à réagir et à débattre sur cette modernité érotique.

Plastiquement déjà, les sculptures s’aventurent sur des terres peu explorées puisqu’elles dissèquent le mouvement en cristallisant ensemble passé, présent et avenir d’une évolution spatiale. Cela permet de mieux comprendre le mouvement physique mais aussi le rapport espace/temps qui le définit tel que les accélérations ou les ralentissements. Au plan anatomique, ces statues montrent aussi les liaisons entre le corps et les membres par les articulations dans la continuité temporelle d’un mouvement. Philosophiquement se pose la question de l’ubiquité, cette faculté à être à plusieurs endroits, au même moment. Cela nous amène à nous interroger sur le rapport qu’entretient l’individu au temps et sa perception : la durée. Nous reviendrons un peu plus en détail par la suite sur cette notion, en nous appuyant sur Henri Bergson. Pour le moment, il convient de creuser le rapport entre le 2ème et le 7ème art, c’est à dire la sculpture et le cinéma. Nous considérons que le cinéma découle de la photographie, position très largement partagée. Regardons comment l’un a pu influencer l’autre et l’inspirer en nous appuyant sur le travail de Peter Jansen.

La photographie est un art passionnant, dont l’histoire et l’évolution méritent véritablement d’être approfondies tant son influence a été grande et sa présence récurrente dans divers milieux : cinéma, mode, sculpture, télévision, art graphique, politique, sport et j’en passe…

Quarante-six année après Joseph Nicéphore Nièpce et sa célèbre photo prise en 1826 : point de vue du Gras, Eadweard Muybridge mit au point la chronophotographie afin de décomposer le mouvement en utilisant 24 appareils photographiques. On pourra également établir un lien avec Matrix, et le fameux bullet time, procédé qui utilise lui aussi plusieurs appareils placés en cercle autour de la scène à prendre afin de figer le temps tout en faisant un mouvement de caméra. La similitude entre Muybridge et Jansen n’a pas besoin d’être d’avantage explicitée, les images parlant d’elles mêmes.

Après cette toute petite exploration en terrain photographique, je souhaiterais vous emmener vers les terres tout aussi intéressantes et mystérieuses de la philosophie avec un immense penseur du XIXème et XXème siècle : Henri Bergson. Bergson a beaucoup travaillé sur le temps et a forgé le concept extrêmement fécond de durée. Le Français oppose temps scientifique à durée de la conscience. Je ne me lancerai pas dans une explication approfondie de sa pensée, n’en ayant d’une part pas les compétences, d’autre part, n’ayant pas envie de faire de xulux un blogcyclopédie. Cependant, cette notion mérite d’être explicitée. Pour le philosophe, le temps constitue quelque chose de mesurable scientifiquement entre deux bornes : je pars de chez moi à 17h00, j’arrive à 18h00. Il s’est écoulé une heure de temps. Le temps apparait ainsi comme une variable pouvant pleinement se concevoir rationnellement dans une équation mathématique ou physique comme lors du calcul de la vitesse de chute d’un objet ou l’accélération. La durée est toute différente. Elle est une expérience personnelle, individuelle et consciente du temps. Elle est le temps, passé au prisme de l’individu. Un flux temporel, qui se distend, se dilate, se rétracte et ne se laisse pas appréhender extérieurement.

Lorsque au cours de notre vie, nous nous plaignons de ne pas avoir suffisamment de temps, qu’il passe trop vite, c’est en fait de durée dont il s’agit. Le temps est le même pour tous (encore que, malheureusement, tout le monde n’a pas le même temps imparti ici bas…) d’un point de vu cartésien, froid et extérieur. Lorsqu’on l’appréhende par sa raison seule. En revanche, du point de vue des affects, de nos émotions, de nos ressentis, il en est tout autrement. Il devient purement relatif. Non pas au sens ou Einstein l’avait défini c’est à dire une différence observable, mesurable d’effet d’une même quantité de temps sur un organisme ou un corps céleste, mais dans l’impression, le ressenti, l’expérience que nous en faisons. Une double relativité alors ? De l’extérieur du point de vue d’Einstein, de l’intérieur du point de vue de Bergson. Les deux se complètent, les deux s’enrichissent mutuellement comme le font sciences et sciences humaines depuis la nuit des temps. Les deux points de vue mériteraient d’être approfondis, alors n’hésitez pas à réagir afin de donner votre expérience et votre conception personnelle du temps.

Dans les deux cas, le temps est insaisissable et se dérobe constamment sans que jamais nous ne puissions arrêter son flux. Il est le courant toujours mouvant qui fait avancer notre barque, inexorablement, sur le fleuve de la vie en direction de l’embouchure du grand voyage sur l’océan infini. Il est la mise en garde contre le sommeil, il nous fait oser, nous pousse au changement, à la prise de risque, au choix. Il nous effraie, il efface les peines, met en perspective nos joies, nous crie que demain sera un autre jour, mais que le présent est déjà du passé. Il nous rappelle constamment que chaque seconde est une chance, et que pour un même temps, nous pouvons faire de grandes, de petites choses ou ne rien faire. En guise de conclusion, je souhaiterais vous faire partager un poème de Charles Baudelaire : l’horloge.

Horloge! dieu sinistre, effrayant, impassible,
Dont le doigt nous menace et nous dit: « Souviens-toi!
Les vibrantes Douleurs dans ton coeur plein d’effroi
Se planteront bientôt comme dans une cible;

Le Plaisir vaporeux fuira vers l’horizon
Ainsi qu’une sylphide au fond de la coulisse;
Chaque instant te dévore un morceau du délice
A chaque homme accordé pour toute sa saison.

Trois mille six cents fois par heure, la Seconde
Chuchote: Souviens-toi! – Rapide, avec sa voix
D’insecte, Maintenant dit: Je suis Autrefois,
Et j’ai pompé ta vie avec ma trompe immonde!

Remember! Souviens-toi! prodigue! Esto memor!
(Mon gosier de métal parle toutes les langues.)
Les minutes, mortel folâtre, sont des gangues
Qu’il ne faut pas lâcher sans en extraire l’or!

Souviens-toi que le Temps est un joueur avide
Qui gagne sans tricher, à tout coup! c’est la loi.
Le jour décroît; la nuit augmente; souviens-toi!
Le gouffre a toujours soif; la clepsydre se vide.

Tantôt sonnera l’heure où le divin Hasard,
Où l’auguste Vertu, ton épouse encor vierge,
Où le Repentir même (oh! la dernière auberge!),
Où tout te dira Meurs, vieux lâche! il est trop tard! »

Pour approfondir, je vous propose :
- « Avec le temps » de Léo Ferré
- « Les vieux » de Jacques Brel
- « Symphonie n°101, Andante » de Joseph Haydn
- Le travail du peintre français d’origine polonaise Roman Opalka
- La mythologie Grecque et le Dieu Chronos
- « Sein und Zeit » le livre de Martin Heidegger
- « Le portrait de Dorian Gray » D’oscar Wilde
- « Retour vers le futur » de Robert Zemeckis
- Le mythe de l’éternel retour chez Nietzsche et Mircea Eliade
- « L’étrange histoire de Benjamin Button« , film de David Fincher
- Les pensées d’Aristote, Paul Ricoeur, Augustin, Kant, Leibniz, Spinoza et Soren Kierkegaard
-… et tellement d’autres qu’il serait trop long de détailler ici

La bande annonce. Pour voir le film intégralement rendez-vous ici : http://www.youtube.com/homeprojectfr.

Yann Arthus Bertrand nous livre depuis pas mal de temps déjà de magnifiques images de la Terre, notre planète. Il s’est surtout fait connaître par le livre « la terre vue du ciel », qui a connu un succès planétaire. Depuis peu il nous inondait d’images magnifiques en réalisant une série de documentaires sur l’état de la planète, l’état de ses ressources, ce que nous en faisons, le climat… Là il pousse le projet encore plus loin, puisque le film a été diffusé mondialement le 5 Juin, à l’occasion de la journée mondiale de l’environnement. Il est diffusé gratuitement sur internet, et sur un format plus long (2h) sur DVD et dans les cinémas. Les bénéfices sont intégralement reversés à l’association Good Planet, fondée par Yann Arthus Bertrand.

20h30
21h50
Le film commence…

Après ce petit constat, parlons du contenu de ce film : Sans révolutionner quoi que ce soit, le film nous propose de belles images, de très beaux paysages, et de grandes erreurs humaines. La voix off est celle de Jacques Gamblin, et il nous tutoie. Certains trouvent cela dérangeant, mais je pense que c’est plus pour « impliquer » le spectateur, plutôt qu’autre chose. Le film nous montre les limites du développement des villes, de l’agriculture, la déforestation, la pauvreté, mais surtout, il nous fait comprendre comment, en quelques années, l’Homme a BOULEVERSÉ son habitat naturel. Le discours est légèrement accusateur, mais il faut bien comprendre que tout le monde à joué un rôle pour que nous arrivions là où nous en sommes.
Au cours du documentaire, l’espoir semble s’évanouir, et il ne reste qu’environ 20 minutes lorsque Yann Arthus Bertrand nous dit que tout n’est pas perdu, et nous parle des solutions mises en places, et des acteurs « engagés ». Et c’est là où à mon avis le bas blesse : la solution ne semble pas entre les mains des peuples.
La fin du film est consacrée à ce que font les gouvernements, les industriels, les pays divers concernant ces changements climatiques, de modes de vie, mais le peuple ne semple pas y jouer grand rôle. A quoi cela sert-il alors de manifester ? À quoi cela sert-il que des associations se créent et demandent à tous d’agir pour protéger l’environnement ? Pourquoi faire un film si émouvant alors ? Pour se faire plaisir ? Pour pouvoir continuer à faire des reportages à travers le monde grâce à goodplanet.org ?